Muchacha Punk

Muchacha Punk es una banda (dúo) peruana, nacida en plena pandemia, pero gestada muy posiblemente algún tiempo antes. Sus temas giran en torno al sonido independiente, con letras cotidianas de amor. Tiene toda la influencia del indie de principios de siglo, que con tanto sonido "urbano" creo que está desapareciendo de los radares.

Con muchos problemas sociales conviviendo, además de la pandemia, el ingenio y la creatividad se abren paso para ofrecernos un puñado de temas interesantes, cuando menos refrescantes.

A todas luces podría emparentarla tranquilamente a otras bandas peruanas como Abrelatas, Teleférico o la emblemática Electro Z. (tres bandas donde curiosamente ha participado Christian Vargas).

En esta oportunidad comparto Cuán mal vas, uno de los temas que más me ha gustado de ellos, tanto en su versión de estudio como en vivo, que captura esa esencia introspectiva de la letra.

Christian Meier - Nada ha cambiado (2016, Perú)

Cuando un solista o una banda decide regresar luego de un prolongado descanso, la opción más clara que tiene para volver a enganchar con su público y de paso ganar nuevos seguidores es publicar un disco recopilatorio, y es mejor si este disco viene con algún tema inédito, y mejor aún si son reinterpretaciones, y mejor aún si tiene alguna mejora en sonido o un ligero arreglo con respecto a las canciones originales. Es una fórmula infalible para cuando menos, llamar la atención.

Christian Meier ha vuelto cumpliendo todos los requisitos mencionados, y quizás, el único gran error sea el haber colocado como productor de este retorno, al insufrible Gianmarco, cultor de la filosofía de hacer música para vender. Y es que para vender un producto primero que nada tiene que ser bueno, y en el caso de Meier, ni en su mejor época fue un producto musical arrasador (el que haya sonado en radio no es sinónimo de venta discográfica en el Perú). 

Las falencias se ponen de manifiesto desde los primeros segundos, y es que el tema La pena es un lamentable despropósito que apela a sonidos prefabricados para emular guitarras "chicha" bajo el erróneo concepto de que ese tipo de música lo va a acercar a más público. Pero las tristes sorpresas recién están empezando, porque en varios minutos y en más de un tema, se intenta sin suerte incorporar arreglos de vientos que pretenden dar cierto aire de solemnidad jazz que para nada se han visto beneficiadas con el cambio, muy por el contrario, pierden sorpresa y carisma (si es que algo tenían). Es el caso claro de Espérame en el tren, que se ve afectado en el intro, cuya característica era estar basado en un tema de Bruce Springteen (según el propio Meier), y como si la consigna fuera ir en contra de las versiones originales, se opta con poco criterio cambiar las trompetas de Quién sabe por guitarras, siendo el resultado el que ya esperábamos luego de todo lo expuesto, perdiendo fuerza e impacto que transmitía la grabación original, reduciéndose a su más mínima expresión (¿se podía eso?). Sus dos baladas más conocidas: No me acuerdo quién fui y Quédate suenan completamente vacías, con una severa o errónea falta de instrumentación. Y para el final del disco, una sorprendente versión de Carreteras Mojadas (sorprendente por lo mala que es) que parece un remix barato de algún fanático de Youtube.

Dejaba para el final el comentario sobre la canción Alguien, único tema que suena muy parecido a la versión original y que ha sido seleccionado como single promocional ¿por qué será?

Campo de Almas - Contraluz (2015, Perú)

Contraluz es un álbum de retorno en todo el sentido estricto de la palabra, debido a que es la vuelta de CDA luego de una despedida que parecía ser para siempre, con concierto final en una noche especial y lágrimas de los fans de por medio. Pero no solo es de retorno porque vuelven a los estudios de grabación, sino porque este además constituye el retorno a sus raíces, unas raíces tan negadas por ellos mismos al intentar no ser comparados con uno de sus más cercanos referentes: Mar de Copas.

Por ello es que el 2004 intentaron alimentar con nuevos aires al sonido CDA y con el disco De ángeles y demás demonios comenzaron una experimentación que costó la ausencia de Patricia Alonso, siendo el resultado en líneas generales no tan alentador, llegando a considerarse tal vez como el trabajo más flojo o incomprendido de la banda, a pesar de ello se rescatan los mejores momentos en Ya no es igual; Oscura niña; El secreto y Sombra de un adiós.

Posteriormente llegó  la edición de un disco de versiones acústicas y un DVD  con todos los videos oficiales y material inédito, producción que fue muy bien recibida por los seguidores de la banda. Lo que seguiría algunos años después sería el cuarto disco en estudio, bautizado como El Olvido, un disco que intentaría retomar el camino abandonado, presentando varios buenos temas de caracter intimista como aquellos de su disco debut, la promoción andaba lenta pero encaminada para un mercado como el peruano, y es justo cuando llega la separación.

Pasaron pocos años y los integrantes de CDA no soportaron estar alejados de los escenarios, decidieron reunirse y presentar material nuevo, el cual han bautizado como Contraluz, y dicho sea de paso, tiene una de las peores portadas que se les haya ocurrido, pero el contenido, que es lo que al final cuenta, es de lo mejor.

Contraluz carga consigo todos los sonidos y atmósferas de sus dos primeros álbumes, nos lleva a un paseo sonoro lleno de sensaciones ya vividas, ya conocidas y nos hace notar cómo la guitarra de Esteban Gayoso es el sello característico de la banda.

Cuando cierro los ojos es el tema ideal para empezar el disco, y es ciertamente muy similar a Solo busco mi libertad, del álbum debut. Cada minuto (escucha mi corazón que llora sin parar / le pide a la brisa que le diga donde estás), segundo en la lista y segundo single, se erige como el más resaltante de esta producción. Pero dejando avanzar los minutos vamos descubriendo otras que de seguro se volverán unas joyas en su discografía básicamente por el mensaje de sus letras románticas, es el caso de Boulevard (puedo sentir que detrás de todas esa imagen que das / sientes una pena igual que yo); Despertar (tú, que vendiste un corazón por tan solo una ilusión); Mal (Después de la discusión, la última vez / se que no habrá regreso, no te volveré a ver / me siento mal); Te vi (tu amor acabó conmigo / es tarde para verte regresar); Todo me aleja de ti (vuelve la soledad y los rastros de culpa que me dejas tú o que me invento yo).

Y quería dejar como mención aparte los dos temas que interpreta Patricia Alonso, de aires cálidos, inocentes, simplemente geniales: Stonepatty (el círculo ya se cerró, no volverá) y Al cielo conmigo (¿cambiarías la rutina que nos mantiene lejos?¿dejarías todo por ir al cielo conmigo?)

Estamos frente a un disco memorable.

METAL MADNESS a peruvian metal compilation (Perú, 2014)

METAL MADNESS a peruvian metal compilation, es una grata sorpresa en la escena musical peruana, porque es un disco formado por una meticulosa selección de bandas, que dan como resultado un disco lleno de sorpresas por diversos motivos entre los que destacan la pulcritud de las bandas en sus interpretaciones, el perfecto acabado en la producción y el desbordante talento, sobre todo eso, a granel.

METAL MADNESS... 

En este disco queda bien representada la movida metalera del país, con bandas que difícilmente pasarán desapercibidas por sus letras, dominio en el escenario, calidad interpretativa y principalmente por el cuidado en la elaboración de sus producciones, permitiendo que llegue al público un trabajo de calidad que cumpla con dos aspectos que hace algunos años muchas bandas no aplicaban: fondo y forma.

De esta manera, en METAL MADNESS... vamos a encontrar grupos y solistas que no deberían envidiarle nada a muchos actos del extranjero, porque demuestran total dominio en su estilo y completa naturalidad para recrear escenarios implícitamente relacionados con el género. Pero lo que llama la atención es la cantidad de bandas que con tan solo una producción ya se encuentran visiblemente definidas entre las mejores del género: Impiedad; Nautiluz; Híbrida; The Fallen Symmetry; Temptation Xplodes; Ruin; Charlie Parra y Nathalie Markoch.

Si quieren pasar un buen momento, escuchen este disco especialmente por Temptation Xplodes y su Holy Hypocrisy que va entre el metal de Marilyn Manson y el New Metal de Korn; El Loco Cervantes y Ozono, tema que le debe mucho a Rata Blanca; Charlie Parra con Vortex, que presenta tal vez una voz demasiado pop para el perfecto ensamble final; The Fallen Symmetry y el tema Only In Loneliness We Trust, que suena bastante a metal ochentero; también tenemos el agrado de escuchar a Híbrida con Inconsciente, recordando a  bandas mexicanas como Fortaleza y Anabantha; luego escuchamos a Nautiluz, con un sonido bastante ochentero para dar paso a Impiedad y sus Dragones, épico tema medieval.

Y dejo para el final a Nathalie Markoch, proveniente de las filas de Hypnox y estrenada como solista el 2012, quien nos deleita con The Fraud, extraída de su disco debut Influences & Connections Vol.1, pieza que para más de uno se convertirá en los cinco minutos con doce segundos mejor empleados en esta vida.

Definitivamente este recopilatorio no va a defraudar a nadie.

En búsqueda de Alessandra Morris

Cuando se trata de pop rock en el Perú, muy pocos son los artistas aventureros que optaron por seguir un camino solista, y por ello, muy pocos son los que sobreviven en  el medio, el caso más excepcional a la regla es Pedro Suarez-Vértiz, que consiguió muchos logros en base a letras y (principalmente) ritmos pegajosos. Lo inusual de todo esto, es que sabiendo el panorama adverso, una cantidad considerable de músicos alguna vez en su vida se han dejado llevar por camino en solitario, básicamente, aquellos que tuvieron cierta notoriedad con alguna banda de rock o pop en el medio, (es el caso de Toño Jáuregui, José Arbulú, Ivan Fajardo, Pierina Less, Jhovan, Francois Peglau y un largo etc.) han sentido casi cumplir su sueño con cinco minutos de fama por algún tema que consiguió meterse entre la gente durante un breve instante. También encontramos a otros como Daniel F o Pelo Madueño, que han logrado sortear los problemas que conlleva esta carrera y seguir manteniendo su aventura.

Pero hay un grupo de músicos que sin miedo alguno, tentaron desde el principio la carrera en solitario, como el caso de Rafo Ráez, tal vez el solista "under" más exitoso de la escena (aunque ahora se presente con formato de banda). Entre estos músicos que persiguen el sueño desde el inicio, de reafirmar su espacio en la escena, existen muchos, y yo me inclinaré por mencionar a Pamela Llosa y sobre todo, Natalí Jiménez que ha ido creciendo como intérprete este último año. Lo curioso, es que muchos de estos solistas no le deberían envidiar nada a otros productos fabricados en el extranjero que tienen mayor aceptación tanto en nuestro país como en cualquier parte de Sudamérica.

Ahora, quiero mencionar que el caso de Alessanda Morris es uno de esos casos que vienen a engrosar la lista de solistas peruanos que no despegaron del todo, no por falta de talento, sino por falta de difusión. A pesar de tener un buen grupo de canciones "radiables", esta cantante nunca fue promovida en Lima a pesar de haber sido parte de la programación de Mtv Latinoamérica hace ya casi diez años y hago referencia directa a Lima porque es el sitio donde obligatoriamente despegan los artistas peruanos. Injusticias de nuestro ambiente musical local.

Alessandra Morris tiene canciones interesantes como Hoy no te tengo, otras llenas de pop (la mayoría) como Busco encontrarte; Dime porqué; Me pregunto y Una forma extraña de amar, otras muy dulzonas por momentos, tal vez empalagosas como el caso de Aire, pero como ya se había mencionado y para ser justos, fácilmente "radiables", porque sus historias presentan los tópicos acostumbrados: el amor, el desamor, el sufrimiento y las dudas existenciales propias de una adolescente, aplicando al detalle la fórmula pop, es decir, creadas y pensadas para captar la atención del público (cosa que no está mal si se tiene claro a dónde se quiere llegar), pero como es costumbre, mal vistas por las emisoras locales, que se preocupan en transmitir artistas de otros países con menor calidad pero acompañadas de una campaña de marketing demoledora.

Con un video realizado por Percy Céspedes (el favorito de los poperos peruanos), Alessandra Morris puede seguir intentando meterse en las radios, o tal vez el camino adecuado sea Internet. Lo cierto es que su música no está mal y es una vez más, una artista que no tiene absolutamente nada que envidiarle a productos  prefabricados con mucho más presupuesto y menos talento.

Si quieres escuchar a Alessandra Morris, visita su Myspace

Para muestra, un botón:

Catervas. Hoy más que ayer...

Hace algún tiempo, vagando entre tantos conciertos a los que asistía, conocí a una banda que se hacía llamar Catervas, y tenían una música que era algo oscura, no llegaba a a ser gótica, ni dark, ni new wave, pero tenía un especial interés en sus composiciones por resaltar acordes lúgubres, oscuros, y teclados con atmósferas de igual forma, que le daban un estilo post punk y además se acompañaban de una voz que no era algo común, porque llevaba cierta pesadez, poco brillo e improvisación, que hacía evidente cierta falta de destreza vocal, de técnica, pero que a pesar de ello, mantenía una peculiar atracción, porque iba acorde con el sentir de las historias que cantaba, y porque además, redescubrimos que no se necesita de una voz magistral para expresar algo, cosa que muchos intérpretes han perdido en el afán de conseguir un cantar pulcro y extremadamente "pasteurizado", propio de superestrella del American Idol.

La historia oficial de Catervas se inicia el año 1996, y su primer disco data del 2001, disco homónimo que representó en su momento un buen pilar para la escena rockera peruana, que se encontraba en su segundo renacimiento, y es con esta producción que el grupo formado por los hermanos Pedro (voz y guitarra), Raúl (bajo) y Javier Reyes (batería) consiguen una aceptable difusión en canales alternativos que por aquellos años se dedicaban a la cobertura del rock peruano (recordemos que aquellos años, internet aún no era explotado como ocurre por estos tiempos). Para empezar, podemos escuchar Garabatos, que tiene una ligera similitud a The Cure, incluído el video del mismo tema, que rinde tributo al Close To Me, de la banda de Robert Smith, con un armario en un precipicio, listo para caer al mar.

En este álbum podemos escuchar más del sonido post punk en Tacto; Frío; [Aquella] Luz, con un genial intro darkwave, al más puro estilo de Dolores Delirio. Cíclica continúa con la buena performance de la banda y en esta oportunidad, netamente instrumental, para hacer notar su destreza con los instrumentos y aquel teclado que se apodera de la totalidad del tema.

Aún; Tu Creencia y Trance Vertical; prosiguen con el buen sonido, para terminar con otro instrumental titulado B-2ble-p, decorado con una amplia gama de efectos de sintetizador que culminan un disco bastante auspicioso para el grupo. En la reedición del disco, se incluye una versión en vivo del tema El gato ron-ron, que formó parte del álbum Tributo a la Niñez, que no era más que una compilación de temas infantiles en versión rock.

El año 2004, fuimos testigos de la reaparición del grupo con un disco nuevo bajo el brazo, en esta oportunidad disfrutamos del lanzamiento de Semáforos, tal vez el mejor disco que tiene la banda, con el que demostraron una maduración rápida, producto del trabajo serio y el horizonte claro del trío.

Mentalizar es el tema inicial, con un intro bastante similar a Slave To The Wage, de la banda británica Placebo, otro de los claros referentes de los hermanos Reyes. A continuación, Elástica, tema que se convirtió en el más importante del disco, porque en cierta medida, es uno de los más digeribles de esta producción.

Vienenyvan; Imposible Hoy; Almas y Caen y Caben, deambulan por el mismo tempo y gozan de ciertos atributos que los convierten el piezas fácilmente digeribles para un disco que está plagado de buenos temas. Pero la parte genial del álbum, aquella donde podemos descifrar el real estilo y dirección de la banda, la encontramos en piezas como la acústica atmósfera de Huir ("Sí, he intentado aprender lo tanto que hay en ti"); la pesadumbre trágica de Anduve ("Y anduve por el sol que quemó mi fe"); el letargo de Semáforos ("Me es imposible cambiar algo que no quiero ser") y la etérea Moonset ("Y la espuma que canta y persigue otra vez"), que definitivamente nos convencen que esta producción es lo mejor de su carrera musical.

Hoy Más Que Ayer, álbum del 2008, continúa por la misma senda, y nos regala un intro titulado Acuarelas, completamente instrumental para iniciar un disco de carácter regular en la discografía de la banda. Transmisor, es aquella canción que nos hace recordar en gran medida a su primer trabajo, que lleva además un guitarreo nuevamente bastante influenciado por The Cure, con un bajo que también le debe mucho al estilo del gothic y new wave.

El sonido ochentero se respira a flor de piel en la mayoria de los temas, siendo los más resaltantes Marioneta; Covida; Dibujándonos; Es Tan Difícil; Un Domingo Pasó y Las Mismas Calles. Una vez más, se dejan escuchar algunos minutos de atmósfera envolvente en Historias Sin Oír, tema que se convierte en el único que repite aquellas memorables pistas del álbum Semáforos (Huir; Anduve; Moonset).

Actualmente la banda se encuentra elaborando material nuevo, mientras tanto, los esperamos hoy más que ayer.

Daniel F - La Ventana de los Cíclopes (2011, Perú)

No es novedad encontrar un álbum de este tipo en el que esté involucrado Daniel F, y es que en su trayectoria con la banda Leusemia, ya nos había regalado algunos proyectos de igual envergadura, con canciones de más de 7 minutos de duración y con una narración que abarca la totalidad del disco. En esta oportunidad, La Ventana de los Cíclopes es el primer disco conceptual que presenta como solista, esa es la novedad, Daniel F pierde el miedo y se lanza con una "ópera rock" donde el único responsable del producto final es él, mérito al esfuerzo, a la destreza, al atrevimiento tal vez, pero este disco es sumamente interesante (con todos los defectos que pueda traer), porque en nuestro medio, muy pocos artistas se atreven a presentar un producto de estas características, con un alto porcentaje de riesgo en contra y con un mercado adverso y falto de publicidad en medios masivos (radio, televisión).

La naturaleza, la ecología, temas de interés mundial son puestos en el tapete en esta nueva placa con un mensaje bastante metafórico, acompañado de bastantes cuerdas y vientos, contando con pasajes rockeros y otros tantos folclóricos, propios de la sierra peruana, amalgama muy bien trabajada y es que podemos notar en los créditos que Luis Quequezana es el encargado de la quena y el charango, motivo de sobra para notar la calidad de un álbum donde también figuran otros músicos de calidad como Charlie Parra del Riego en la guitarra y Oliver Castillo en el bajo, además de Alberto "Chino" Chávez, conocido de la discografía de Leusemia, esta vez apoyando en las voces.

La grandilocuencia no se deja esperar y Obertura, da inicio a un disco con aires clásicos andinos, para envolverse en guitarras y dar paso a una narración acostumbrada de Daniel F, propias de sus antiguos trabajos como Yasijah, que sirve de preámbulo para un corte bastante metalero, que recuerda en mucho a los temas folk rock de Mago de Oz, estilo que se va prolongando en las siguientes pistas del álbum, Con la muerte en la niebla; Las palabras del Apu ancestral, generando un ambiente bastante trágico y teatral. El jardín de los ahorcados juega a ser balada, encubierta historia que remata con algo de folclor andino, para dar paso a un tema de guitarreo metal bastante marcado, combinación de estilos que cae a la perfección, El discurso de los dioses, es tal vez el mejor track de todo el disco, que nos trae a la memoria aquellas buenas épocas de Leusemia. A partir de esta canción, las revoluciones del disco van decreciendo, van generando sonidos mucho más intimistas, quizás más trágicos, como esperando un desenlace fatal manteniendo una postura de frustración e impotencia con respecto a la debacle ecológica.

El producto como objeto tiene una presentación que podría ser calificada como lujosa, con un folleto en papel couche, con fotos en blanco y negro, en cuya última página se encuentra un bolsillo que contiene la caja de cartón del disco, que también se vende por separado, en este caso, yo compré la versión completa, Folleto + CD que contiene fotos, palabras introductorias de Daniel F, las letras de las canciones y los créditos completos, con una estructura muy similar a aquellos folletos que venían con los discos Al Final de la Calle (2000) y Hospicios (2004) de Leusemia, sólo que en esta oportunidad, en versión mejorada. Recomendada para fanáticos y/o coleccionistas.

Para terminar, y como apreciación personal (no se ofendan por favor), tenía serias dudas con respecto a este álbum, pero al final de cuentas me ha terminado atrapando, creo que es uno de los mejores trabajos de Daniel F como solista, aunque siempre reclame que sus temas sean demasiado metafóricos, obstáculo que tal vez le impide llegar a un mayor público. Por lo demás, La Ventana de los Cíclopes es un disco bastante cumplidor.

Pamela Llosa - Pamela Llosa (2012, Perú)

Recuerdo que hace un tiempo vi afiches pegados en las calles que anunciaban conciertos de Mar de Copas, y en ellos, se mostraba como artista invitado a una chica llamada Pamela Llosa, cosa que me causó cierta curiosidad, primero porque son pocos los artistas que en nuestro país se lanzan como solistas, y segundo porque teloneaba nada menos que el concierto de una banda que está demás decir que es una de las mejores de nuestro país y que para compartir escenario con ellos, entonces contaba con cierto apoyo del grupo. Apoyo que por supuesto no está basado simplemente en la amistad, porque siguiendo de cerca la carrera de Mar de Copas, nos podemos dar cuenta que su nombre no siempre está ligado a otras bandas, no por soberbia, sino porque es una forma de cuidar una imagen de calidad con más de 10 años sobre el escenario.


Pamela Llosa es una cantante que el 2012 presentó su primer disco solista, dejando una buena impresión por la calidad del producto, por el cuidado que ha tenido al escoger las canciones y por darle coherencia a un trabajo que se encuentra ubicado en los terrenos del pop rock, y que hace recordar bastante a otras cantantes que alguna vez tuvieron renombre en nuestro país, como es el caso de Pierina Less en su etapa solista. 

Este disco bautizado simplemente como Pamela Llosa, cuenta con bastantes sorpresas, y es que el pop rock, a diferencia de lo que muchos piensan, no es un género oportunista ni digerible en un medio como el nuestro, que si bien es cierto, ofrece resultados a corto plazo, en un ambiente acostumbrado al reguetón y la música repetida hasta el hartazgo como la ochentera, puede pasar desapercibida como hemos sido testigos en muchos casos: Aliados, que no tuvo mucha suerte a pesar de sonar bastante con Toda tu piel; Nada Nuestro, con un breve paso por alguna radio local con su sencillo Princesa; Pierina Less y su reaparación con el tema Dame; Alejandra Llosa, y su disco No Pares, que tuvo muy poca difusión; son algunos de los ejemplos que puedo recordar en este momento acerca de los productos pop rock que gozaban de buena producción, pero que no llegaron a pegar completamente en la escena local, principalmente porque la cultura de los medios no incluye prácticamente a ninguna banda peruana, haciendo que su difusión sea más laboriosa que la misma producción del disco.

De esta forma, Pamela Llosa se aventura en su carrera solista presentando un disco que resulta ser toda una gran novedad, y es que no encuentro palabras para definir un disco tan bien trabajado, donde la madurez de las composiciones se deja notar desde el primer corte titulado Mentiras para llevar, con un sonido contundente y que tiene como sorpresa, la participación de Manolo Barrios, de Mar de Copas, que aporta su voz en parte de la canción. El siguiente track, Si vienes de noche, single del disco, es el que se podría mencionar como el más "radiable", donde tal vez la principal atracción sea la cadencia con la que empieza, y que a pesar de ser un recurso conocido donde todos sabemos cuál será el desenlace, resulta convincente y atractivo para seguir escuchando un disco que nunca decae en interés. Desaparecer; Hoy no y Sé que quieres; son tres temas efectivos, que siguen el mismo patrón, pero que cada uno lleva algo esencial  en Desaparecer, lo primordial es la batería y la voz, en Hoy no, la guitarra se apodera del tema, y en Sé que quieres, es el bajo el que se roba el protagonismo. A continuación, bajando las revoluciones, sigue Gritar, donde Pamela Llosa le imprime bastante melancolía y sentimiento a una letra que es muy emotiva y desgarradora, donde nos deja claro que basta con una guitarra acústica para demostrar la simpleza de las grandes canciones.

Paisaje permanece con esta sección acústica, jugando entre vientos y cuerdas que le dan un estilo más clásico y pausado al tema, con ciertos aires bucólicos y románticos, para dar paso al pop rock de Ya no podrás; Distancia y Después; volviendo al ritmo de los temas que abren el álbum. Soy de ti, regresa al sonido clásico de las pistas acústicas ya mencionadas, para tratar alguna historia romántica idealizada al máximo. Y por si todo esto fuera poco, Sólo una vez, combina las pistas pop rock con la cadencia y el estilo de la parte acústica, presentando coros con arreglos de cuerdas donde el bajo logra bastante presencia durante toda la canción. 

Este disco cuenta con muy buenos momentos, que serán sin duda muy importantes para el siguiente paso en la carrera de Pamela Llosa, que ha logrado con este álbum algo que muy pocos pueden hacer desde el debut... un trabajo inolvidable.

Natalí Jiménez - Lady Qwam (2012, Perú)

No sólo basta con tener destreza en algún instrumento, ni poseer el suficiente conocimiento musical para expresar en canciones un sentimiento propio o ajeno, hace falta algo más, algo que es muy difícil conseguir en alguna clase de teoría musical, hace falta nacer con talento y un gran nivel de sensibilidad para expresar adecuadamente toda una serie de sensaciones y más aún aquellas que no son del todo parte de nuestra experiencia. Esa sensibilidad es la que impulsa a Natalí Jimenez a escribir canciones oscuras, tímidas, con cierto sentimiento folk y blues, que hacen de sus temas piezas muy interesantes para un mercado con voces femeninas a cuentagotas y últimamente más relacionadas con el pop comercial.

Luego de haber formado un par de bandas de temas propios y algunas otras de covers, como Honey Pie, que rendía tributo a The Beatles, Natalí Jimenez lanza al difícil mercado peruano un disco solista con características atípicas bastante sobresalientes, convirtiéndose en una propuesta completamente arriesgada, y dentro de ese riesgo, es donde podemos apreciar la verdadera esencia y calidad de un artista, que se desenvuelve por un terreno sumamente difícil, intentando volcar toda su creatividad y mostrarse tal cual es.

Lady Qwam es una sombría placa que transita por el sendero del rock clásico, del folk y del blues, contando historias de amor, desamor, decepción, y profunda tristeza, acompañada de mucho sentimiento de culpa. A través de las once pistas del álbum, podemos apreciar un sonido muy bien equilibrado, y un trabajo de cuerdas con bastante personalidad, decidido a acompañar el carácter que transmite la voz de Natalí en cada verso, y es cierto, las letras no pueden tener mejor interpretación que las vertidas en el disco, porque simplemente Natalí Jiménez las vive de forma muy natural. Lady Qwam es el tema que abre el telón, bajo un encanto a media luz, y un susurro electrizante para dar comienzo a una historia sombría sobre una mujer atormentada, rodeada de un escenario que fácilmente puede ser ambientado en el lejano periodo isabelino. Para cambiar los aires densos, No existe libertad se lanza como una pieza puramente rockera, que cuenta una historia de despecho, dirigida hacia el origen de aquella ira “Tú, el que más me dolió” “mala suerte, la vida es un absurdo” “no quiero este dolor”.

Tan fugaz es otro de los temas sombríos y dulces, que recuerdan la ruptura de un amor y la resignación “y yo sí espero que seas feliz”, netamente introspectiva. A continuación, Circo cruel es una pieza instrumental, que deja ver claramente la influencia y el espíritu blues que respira el disco, con una guitarra que se vuelve total protagonista y reemplazo de la voz.

Bajo la niebla abre paso a sonidos rockeros, y a diferencia de No existe libertad, su potencia secunda un tema de complicidad, inseguridad y cierta rebeldía “hoy dijiste que ayer recordaste tu corta edad” “bajo la niebla estamos hoy”. Cosas buenas es uno de los mejores temas del disco, que inicia con un sonido de piano hipnotizante, que perfora con suavidad los tímpanos para apoderarse de nuestro ser, mientras Natalí, como siempre, nos va contando una historia plagada de imágenes urbanas, de soledades insomnes, acompañadas de romanticismo puro, evocando el horizonte, el mar, y la indiferencia de la gente, mientras va recordando un pasado que nunca volverá “qué bueno es que estés conmigo aunque no aquí” “no creo que pueda regresar aquí”.

El álbum en general transita un mismo camino, contando una sola historia, donde todo es prioridad, el fondo y la forma, la instrumentación y las letras, calculado al milímetro, sin perder la influencia ni desvariar por el camino, el track 7, Lo que faltó, es también una gran muestra de ello, donde el sonido es bien rockero y el solo final es muy potente. Lucía, digamos, de cierta forma es el single del disco, el de sonido más pulcro y el que tiene un equilibrio notorio entre la propuesta comercial y la que impone Natalí Jiménez, que a esta altura del disco ya tiene “en el bolsillo” a todo aquel que la estuviese escuchando.   Canción oscura, como su título sugiere, es tan introspectiva y tímida que se siente una calidez pocas veces expresada en una canción. Contra la corriente sigue una excelente performance, donde la harmónica final le imprime un sello especial. 

Y para finalizar el disco, Después de ti, cierra un excelente paseo con un rock menos denso, y algo progresivo hacia el coro, dedicado al amor y la inseguridad latente.

Como podemos apreciar después de hacer un repaso por Lady Qwam, no queda más que decir, que este 2012, sin ninguna duda el disco de Natalí Jiménez es de lejos, lo mejor que le ha pasado al rock hecho en Perú.


Escucha el disco Lady Qwam en Bandcamp


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Parte de esta reseña fue publicada el mes de Octubre 2012 en la revista Zona Joven (#162)

Campo de Almas - Diez años de Tardes Frías de Verano (2002, Perú)

Parece mentira, pero han pasado diez largos años desde la aparición de aquel segundo disco de Campo de Almas que nos dejó pasmados, casi atónitos, pensando que aquellas sensaciones que nos dejó su trabajo homónimo serían dificiles de igualar, lo cierto es que fueron capaces de generar nuevas melodías especiales para disfrutar al atardecer, como su preciso título lo sugiere. Tardes Frías de Verano paradójicamente juega, se pasea y se "divierte" en los recónditos parajes que todo ser intenta evitar, se nutre de aquellos sentimientos que siempre el subconciente se encarga de guardar en un baúl, y está allí la clave de su éxito, porque a pesar de negar con todas nuestras fuerzas aquellos episodios que nos hacen sentir mal, siempre terminamos rendidos ante la mágica ternura que puede causarnos todo eso que consideramos perjudicial, porque al final de cuentas, la soledad, la tristeza, la melancolía y la añoranza del pasado, son situaciones que nos ayudan a a sobrevivir. Y escucharlo en clave sutil y poética, es una forma de aliviar nuestras penas, porque el arte es eso, es una gama de sentimientos que se agrupan, se dispersan, se transforman, como la vida misma, es un llanto que germina una alegría o viceversa. Y Campo de Almas es un grupo que conoce su oficio y posee los recursos para capturar esos minutos y traducirlos en simples líneas, que se vuelven complejas bajo acordes de guitarras, porque Campo de Almas es una banda que respira sentimientos y camina entre poemas, inyectando un placebo para disfrazar el dolor, para que el llanto, la amargura y el desamor sean más llevaderos. Así tenemos aquel intro de La Nueva Ola, apoderándose de nuestra conciencia para irrumpir con aquel verso que recita "Es una tarde, un día más" "El tiempo nunca se detiene, siempre hay algo que terminar" y entender que la soledad, compañera inevitable tiene muchas lecciones que darnos antes de dejarnos libres. Posteriormente escuchamos la irrupción guitarrera de Gris, con una letra igual de melancólica, pero disfrazada con guitarras potentes "No necesito verte llorar para saber que nunca te iba a amar". Juro Que No Morí, es otro de los temas potentes que cuentan historias de desilución "la rutina encubrirá y hasta puedo olvidar, que soy lo que no soy, que soy sólo un disfraz" y luego dar paso a uno de los picos más altos del disco con el tema El Día Final, llevado de forma pausada con un coro que no termina de explotar, pero que es precisamente lo que le da el carcater especial a la canción, con una frase previa que resume su historia "si puedes ver a través de mí, verás como vas quebrando mi alma en mil pedazos". El Silencio es otro de los temas que se apartan de la quietud del disco, al igual que Gris, juega a ser un poco más rockero, pero el estilo sensiblero del grupo siempre deja huella. Disnei; Desde Mi Lugar y El Sueño Acabó corren la misma suerte, buenos temas que a pesar del caracter alegre de sus acordes, siempre cuentan historias introspectivas. Por el lado contrario, Oscuro, Bolero y Eternamente, son esas pistas que caracterizan a la banda, que rozan con la tristeza y el pensar demasiado sobre el pasado. Catamarán es digamos de alguna forma, la catarsis experimental del grupo, completamente instrumental y por momentos progresiva, sorpresiva e interesante, como el álbum, para disfrutar de principio a  fin.

Pamela Rodríguez - RecoNoceR (2011, Perú)

Es una mujer más que interesante, camaleónica, ecléctica, le gusta divertirse con el piano, crear melodías, voces agudas, frases tiernas, inocentes, llenas de pop primaveral pero en esencia reflexivas, con sentido, capaz de emocionar a cualquiera hasta las lágrimas al escuchar temas como Cunita de Hielo o El Alma y el Arnés; así es Pamela Rodríguez, una compositora e intérprete alejada del molde acostumbrado en nuestro país, le gusta explorar ritmos, sonidos, texturas y de esta forma trazar un camino propio, porque en sus creaciones encontramos esa paz espiritual que hacía falta, porque en su simpleza está su genialidad, porque en la sinceridad de sus letras está su mayor fortaleza, porque nadie ha podido alcanzar lo que ella está alcanzando con Ligera Love, Mantra, Acertijo, Olvidando Que Te Olvidaba y Algo Pasó; y es que este disco está muy bien equilibrado de artificios indie, cual Regina Spektor, cual Bjork, cual Kate Nash. Es cierto, las comparaciones son odiosas, pero en esta oportunidad son necesarias para conocer el nivel que está logrando esta encantadora artista peruana. Los medios masivos no saben lo que están perdiendo al ignorar su arte, pero no importa, siempre existirán canales alternativos para la difusión de buena música.

Y como lo dije antes... es definitivo, es inevitable, recordaré este año principalmente por RecoNoceR, el tercer disco de Pamela Rodríguez.

Madre Matilda - Círculos (2000, Perú)

Este disco me dejó una muy grata sorpresa, era la primera vez que escuchaba a un grupo peruano que sonaba bien grabado, bien producido, bien arreglado, como si fuera de otro país, ¿y eso porqué?, simple, Círculos es una de las primeras producciones que fue editada por una multinacional como Sony en épocas en que la industria fonográfica local era prácticamente nula. El primer sencillo difundido por la fenecida Radio América fue el tema Sin Llorar, completamente pop y llena de efectos y sonidos envolventes que terminan por convencer, porque es efectiva, dinámica, pegajosa, y la voz de Pierina Less se acomoda tranquilamente a esos aires de diva pop, de convicción, de desenfado, dejando atrás aquella Pierina del disco debut que aún no terminaba de explorar su capacidad vocal y menos de explotar su performance como frontgirl de la banda, aflorando justo en el momento en que se gestó la mejor y última formación que tuvo Madre Matilda, aquella formación que en sus filas tenía a Carlos Salas en la guitarra, Vitucho Malásquez en el bajo, Jorge Olazo en la batería, incorporando posteriormente a Chisco Ramos en segunda guitarra, complementando un grupo muy bien cohesionado para las presentaciones en vivo.

Fue con estos integrantes que Madre Matilda alcanzó el reconocimiento que estuvo buscando desde el año 1997, con su primer larga duración editado por una discográfica peruana. Círculos se convirtió en un disco importante para la escena del rock peruano, no sólo por su música sino que además de eso, fue uno de los primeros grupos peruanos en grabar con la calidad que ofrece Sony, además de contar con la facilidad para la distribución y publicidad que puede manejar una multinacional.

Otro punto a favor para Madre Matilda fue que a parte de las facilidades para grabar, contaban con buen material de dónde seleccionar los temas que formarían parte de la producción, porque valgan verdades, Círculos tiene buenos temas, buenas letras, buena presentación en general, y además de la seguridad que les dió Pelo Madueño, (que por aquellas épocas aún daba vida a La Liga del Sueño) quien fue el productor de este disco.

Si nos paseamos por todos los tracks del Círculos podemos encontrar dos gratas sorpresas, la primera, es el haber incluído dos temas del debut: Entre Tus Brazos (con un ritmo más lento, como para darle más énfasis a la letra) y Deja de Llorar (casi la misma velocidad, pero con distinta instrumentación); la segunda sorpresa del disco es el cover de Regresa, vals de Lucha Reyes, reinventada al estilo Madre Matilda, con voz susurrante, lamentosa, de una Pierina Less que sabe llegar al corazón de los oyentes. Como anécdota contada por el mismo grupo, presten mucha atención a los 2 minutos con 5 segundos, luego de que Pierina canta "Pero Regresa..." se filtra la voz de Pelo Madueño que estaba en los controles del estudio y con la emoción de escuchar el tema en la voz de Pierina queda grabada su voz respondiéndole "Para qué".

En resumen, Círculos es un divertido paseo por los senderos del pop rock. Atención a los temas En Soledad, Las Hadas y Manos Blancas.

Xplora - Variaciones En Tiempo Real (2010, Perú)

Luego de algunos meses me he tomado la molestia de hacer una reseña de este disco, principalmente porque en su primera escucha no le encontré mayor atractivo que sí tuvo el Azul Electrónico, su primera producción. No quiero decir que Variaciones En Tiempo Real sea un disco malo, ni regular, ni mucho menos difícil, es que han pasado cerca de 8 años desde Azul Electrónico, 8 años que al parecer no han pasado en vano para los integrantes de Xplora, porque ahora no sólo quieren dejarnos un puñado de canciones de fácil recordación, ahora nos quieren demostrar que el potencial de aquel lejano 2002 no fue flor de un día.

Parece contradictorio que a primera impresión Variaciones... no cause buen impacto, pero creo no equivocarme al decir que es un disco al que se le debe dar más tiempo, primero porque el grupo tiene oficio para seguir por el camino marcado y retomarlo como si nada hubiera pasado, y segundo, porque demuestran que su propuesta fue sincera, además que su performance se mantiene intacta.

El primer sencillo de Variaciones... es Robot, con un inicio que definitivamente me hizo recordar a Ser, el primer corte de Azul Electrónico, por eso de usar distorsiones y sonidos para dar inicio al disco. Robot es un tema cumplidor, con una letra que va sobre el masoquismo y la sumisión, o al menos es lo que yo entiendo ("Si te sientes sola puedo ser tu fiel robot"). Hacia Ti, me hizo recordar algo del sonido de la banda mexicana Moenia, tal vez por la parte de teclados, Malabares me transportó a Las Cosas Malas, otro tema del Azul Electrónico, que tranquilamente puede ser otro sencillo promocional.

Hay una canción que me causó muy grata impresión por diversas razones, por el intro cantado apoyado por un mínimo de sonidos, por una letra convincente, por una interpretación vocal con sentimiento; me refiero al tema Lugares, que se perfila como el "Antiparaíso" del disco, que a pesar de ser un tema romántico, invita tranquilamente al baile, a pesar de tener un mensaje melancólico está envuelto en un empaque alegre, como para hacernos ver que no todo es malo al final de una relación.

Otro de los temas a resaltar es Estos Corazones, completamente pausado y más pop, evocando una vez más al Azul Electrónico, específicamente al tema Sangre. Y para no perder la vena electrónica, se cierra el telón con Tenme, donde la voz queda en segundo plano para dar paso al desenfreno instrumental.

En tiempos en que la escena nacional decae, siempre existirá un grupo que saque la cara por el rock peruano, esta vez le tocó a Xplora.

Mar de Copas - Discografía en Vivo (2002-2004, Perú)

Existen tres albumes oficiales en vivo publicados por Mar de Copas, siendo el primero de ellos el titulado En Vivo (2002), disco doble conteniendo en su mayoría temas en directo en versiones eléctricas y 6 temas acústicos entre los que destacan Un nuevo intento, Al pasar de las horas, Otra canción, Con el mar y Ramera, siendo este último todo un éxito en las radios locales.

El mismo año se publica Ramera, EP multimedia conteniendo los videos del grupo, un tema nuevo titulado Canción de un amor que dejó de andar, la versión en estudio de Ramera y cuatro temas acústicos interpretados el año 1998 en el Centro Cultural de la PUCP.

El año 2004 se publica el disco De Tierra, producto de dos conciertos acústicos realizados los días 2 y 3 de octubre del 2004 en el auditorio del Centro Cultural Peruano Japonés, con la novedad de incorporar tres temas inéditos: Cada vez, Vacío y Luis, tema dedicado a un fan que dejó este mundo.

Mar de Copas es un grupo que suele realizar sesiones intimistas, principalmente pensadas para un grupo reducido de gente, en donde se esfuerzan por presentar lo más interesante de su repertorio, realizando versiones más pausadas de las originales, especiales para sentir con mayor profundidad los sentimientos vertidos en cada línea de sus temas, que divagan en el lado oscuro del ser, en la introspección de los momentos, en el transcurrir de la vida que se va quedando corta y sin sentido, en la tristeza que consume corazones, en el llanto mudo del alma, y que a pesar de ello no suenan ni cursis ni melosas, ni románticas ni lamenteras, por ello es que nunca serán transmitidas en algún especial por el Día de San Valentín, porque aunque los mensajes sean tan "cortavenas", guardan un celoso lado rudo, áspero, guitarrero, de alma rockera a flor de piel, de aquel sentimiento que se disfraza con una coraza, porque para Mar de Copas, la procesión... va por dentro.

Hari and Aino (2008, Suecia)

Hari and Aino es un quinteto de origen sueco, dedicado principalmente al indie, con melodías cándidas, frescas y una voz femenina que parece deslizarse entre campos de algodón o pasearse por un prado verde al mediodía, con un sol radiante, como en un cuento de hadas, como en un universo donde no existe la maldad, donde sólo hay espacio para la inocencia, como toda la melodía que emana de la guitarra, de la batería, del bajo, del teclado, que no se preocupan en poner la pauta ni la diferencia, sólo se dedican a hacer lo suyo, a juguetear con los ritmos, a veces pop, a veces bossa, a veces indie (me parece que el final de Gold es bien The Strokes) a veces todo junto, lo cierto es que Hari and Aino muestra el lado fino del indie, el de salón, que se supo nutrir de varias corrientes, que supo estilizar la música a su antojo, y que con más mérito supo atraer nuestras almas (y oídos) a un mundo donde la música se ha creado exclusivamente para sentarse, mover la cabeza al compás, tal vez los pies, quizás tararear, pero eso sí, esta música es para disfrutar, sólo eso, disfrutar.

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Fahed Mitre - Toda la Verdad (1990, Perú)

Fahed Mitre, peruano de raíces libanesas intentó hacer carrera en la música a finales de los 80, llegando a editar dos discos y algunos videos, el más recordado de ellos fue el realizado para la canción Moda, grabado íntegramente en formato de cine y con la participación de la top model peruana más importante del momento, Olenka Zimmerman.

Toda la Verdad es su segundo LP y presenta algunos de los temas que tuvieron una considerable rotación en las radios como Jennifer, que además cuenta con su propio video y Toda la Verdad, que da título a esta producción.

Para ser honesto con el disco en cuestión, debo decir que alrededor de tamaña empresa realizada sin escatimar gastos, Fahed Mitre nunca logró cuajar como cantante de moda, tal vez porque no pretendió dejar una huella de compositor con vena romántica, ni de un popero desenfrenado, más bien intentó un poco de ambos, asimilando el sonido que por aquel momento divagaba en las estaciones pop, entre la balada en español y alguno que otro tema rockero a lo Miguel Mateos (como en el intro de Toda la Verdad).

Lo inusual de este LP es el lado instrumental, que cuenta con músicos de apoyo que dieron un matiz cálido al resultado final del disco. Entre estos músicos de estudio notamos la presencia de Miguel "Chino" Figueroa, productor, director y arreglista musical, Alex Acuña (reconocido baterista y percusionista peruano) y para sorpresa de propios y extraños destaca la presencia de Jeff Porcaro, baterista del grupo Toto, quien colabora en Toda la Verdad, Jennifer, Si No Estás y Un Juego, todo un lujo inconcebible para cualquier grupo peruano de la época.

Es una "singular" experiencia escuchar a Fahed Mitre, y lo digo por gente que ya está en base 3 (como yo) que tiene algún recuerdo borroso de aquel video de Jennifer... un sábado por la noche en el Canal 5...

Sí, en Viva el Sábado...

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Pd. Agredecimiento especial a "maranguitaschool" por el ripeo del cassette de Fahed Mitre a mp3.

Electro Z - Edición Deluxe (2009, Perú)

Puedo decir que Electro Z es uno de los mejores grupos de la historia del rock peruano porque simplemente rompieron el molde del cual la mayoría de grupos se guiaban, (inconcientemente o no) Electro Z fue buscando un camino nunca antes transitado en la escena de fines de siglo, un sonido que ya se venía gestando en Europa, especialmente en la movida "indie" (independiente) de Inglaterra.

Por aquellos años, Lima se encontraba aún en la resaca del grunge, del "rock alternativo" de mediados de los 90, de sonidos a lo Pearl Jam, de guitarras a lo Korn, de versos a lo Rage Against The Machine y demás ritmos provenientes de U.S.A., Electro Z supo reciclar sonidos de la Electrónica, del Industrial, del Noise y demás ritmos para crear su primer y único "LP" que a estas alturas ya se ha convertido en objeto de culto.

El disco de la lavadora cuenta con 17 temas muy buenos, la mayoría interpretados por Luis Salgado L.A.S.E. (Grítame, Hazlo, Post Ilusiones, Nunca Cae), pero que encuentra sus momentos máximos en la voz de Jennifer Cornejo (Enzayra, En Ficción).

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10 años de rock en el Perú

Desde finales de los 90, empezaron a surgir bandas locales con potencial, poco a poco estos grupos fueron creciendo a medida que presentaban canciones bien trabajadas, con letras más pensadas, más centradas en los sentimientos, en la razón y menos en la política, característica que ayudó mucho a atraer una cantidad considerable de seguidores, porque ya no era el discurso revolucionario, ya no era la protesta, ahora el tema era básicamente el ser, el sentimiento, la vida misma.

Ese fue a mi parecer, el punto más importante para el despegue de una nueva etapa en el rock peruano, y eso fue tal vez lo que propició que las radioemisoras vuelvan sus ojos a un sector marginado donde antes sólo se encontraban "discursos políticos".

Otro factor importante fue la producción de discos, ese gran obstáculo que se convierte en la carta de presentación de cada grupo. Para aquellos años, ya existía una pequeña luz al final del camino, ya se podían realizar grabaciones de calidad a un precio moderado y todo por supuesto autofinanciado.

Estos factores sumados a algunos reconocimientos internacionales que lograron bandas como Libido y Cementerio Club en los Premios Mtv, hicieron que este boom dure unos cuantos años, por lo menos los suficientes como para poder hablar de un renacimiento en la escena peruana ya que no se veía tal exposición desde la década de los 80's. Este renacimiento dejó una serie de grupos que han sobrevivido principalmente por su oficio y experiencia en el mercado musical y estas son las principales canciones que nos dejó la década pasada:

01. (2000) Ni Voz Ni Voto - Cambios
02. (2000) Dolores Delirio - Orilla
03. (2000) Indigo - Voces Lejanas
04. (2000) Madre Matilda - Entre Tus Brazos
05. (2000) Cementerio Club - Sometimes Bonita
06. (2000) Libido - Tres
07. (2000) Trémolo - Enamorado de un Angel
08. (2000) Campo de Almas - Tus Alas Caerán
09. (2001) Leusemia - Distancias
10. (2001) Inyectores - Bombardero
11. (2002) Mar de Copas - Ramera
12. (2002) Zen - Sol
13. (2002) Xplora - Antiparaíso
14. (2002) TK - Inminente Conjunción
15. (2003) Wayo - Eras Tú
16. (2003) Cementerio Club - Inmortales
17. (2003) La Sarita - Guachiman
18. (2004) Mar de Copas - Balada de un Encuentro Fugaz
19. (2004) Pelo Madueño - Alma de 80's
20. (2004) Catervas - Elastica
21. (2005) Los Fuckin Sombreros - Charlespunk
22. (2006) Los Ultimos Heroes - Dando vueltas
23. (2006) Cardenales - Mientras Duermes
24. (2006) Luna - As Death Did Us Apart
25. (2006) Wayo - Eléctrica Ciudad
26. (2006) Caroline Cruz - Zapatos Para Caminar en el Sol
27. (2007) Gaia - La Segunda Ley
28. (2007) Noir - Declaracion Frente al Espejo
29. (2007) Pierina Less - Dame
30. (2008) Autobus - El Duelo

Tema: Piel de ángel (Carlos Salas, 2006-Perú)

Desde hoy, cada fin de mes comentaré sólo un tema, para difundir alguna canción que merezca ser conocida.

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Carlos Salas fue el cerebro detrás de la banda Madre Matilda, el que creó la mayoría de temas al lado de Pierina Less y que lamentablemente se separó del grupo dando fin a una muy buena etapa.

Pero no abandonó la música, por el contrario, siguió componiendo y grabando demos para dar forma a lo que sería su primer disco titulado ¿Quién serás mañana? (2003) y posteriormente lanzar al mercado Atardeceres de Efecto Invernadero (2006) que muestra ritmos básicamente pop, aunque algo alejados de la música que caracterizaba a Madre Matilda.

En esta oportunidad, la canción Piel de Ángel, es una de las más interesantes del disco Atardeceres de Efecto Invernadero, letra y ritmos pegajosos, tal vez su mejor composición desde que abandonó Madre Matilda.

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Madre Matilda - Madre Matilda (1997, Perú)

(Edición Original 1997)

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En la década de los 90 era difícil escuchar en las radios algo de rock hecho en Perú, pero siempre existían ondas alternativas que se jactaban de llevar la contra a todo lo "establecido".

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Por ese entonces eran dos radioemisoras las que yo escuchaba huyendo del bombardeo eurodance (conocido como "techno") y de los inicios del reguetón que sonaban más fuerte que campana de iglesia. Esas dos radioemisoras eran Miraflores y Doble Nueve, donde gracias a su programación pude descubrir muchos grupos de rock peruano, bandas buenas que se iban perdiendo en el tiempo por la indiferencia general de los programadores y por el alto costo que significaba editar un disco o cassette. Bueno, una de esas bandas fue Madre Matilda, que había editado su primer disco en el tiempo record de una semana, incluyendo la mezcla y masterización en un conocido estudio que existe hasta nuestros tiempos.

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La primera impresión que deja Madre Matilda es la de un grupo con la ruta bien marcada hacia el pop rock contundente, con aires grunge que eran la moda del momento, con letras que van desde el amor (Déjame Llorar), la incomprensión (Huir de Mí), la obsesión (Entre tus Brazos) y el "vuelo mental" (Mírame Volar), hasta pasar por las bellas y pausadas melodías como Barco de Cristal, Al Alba y Andrógeno, tal vez el tema mejor logrado del disco, con una interpretación espectacular de Pierina Less.

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Este disco tuvo un limitado tiraje de 300 copias, haciéndose años después imposible de adquirir en formato original, es por ello que Carlos Salas (guitarrista fundador de la banda) decidió trabajar una reedición de aquel trabajo, remasterizando todas las canciones y volviendo a interpretar el tema Huir de Mí, además incluyendo nuevo arte de tapa.

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La formació original era: Pierina Less en la voz, Carlos Salas en guitarra, Coco Berenz también en la guitarra, Juanjo Sandoval en el bajo y Giorgio Bertoli a cargo de la batería (que años después formaría parte de Zen).

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Como bonus, se presentan dos temas en versión acústica, realizados por la fiebre unplugged que se vivía a raíz de los famosos conciertos de la cadena Mtv.

(Re-edición 2006)