Lissie - Back to Forever (EE.UU., 2013)

Luego de sorprendernos con el cover Bad Romance de Lady Gaga y su primer LP titulado Catching a Tiger, que obtuvo buenas críticas por temas como In Sleep; When I'm Alone; Cuckoo; Everywhere I Go y Oh Mississippi, Elisabeth Maurus nos dejó atónitos nuevamente el 2013 con su esperada segunda producción de nombre Back to Forever, que para sorpresa de muchos, agrupa una serie de canciones que repiten la misma fórmula, pero con mayor solidez, mayor peso instrumental, y aunque tenga algunos arreglos con sintetizadores, el estilo clásico a Fletwood Mac que profesa Lissie, se mantiene intacto.

The Habit es la encargada de dar inicio al disco, bajo un ligero halo de misterio y un bombo que va marcando la melodía, elemento que será una constante en los siguientes cortes del álbum. Y es así como sigue Further Away (Romance Police), la "In Sleep" del disco, la que representa el contenido de esta segunda producción, contando con arreglos electrónicos que en gran medida nos recuerda a su colaboración con el DJ Morgan Page en el tema The Longest Road. El tema que continúa mostrando agresividad y pausa, como aquellas canciones de los setentas, es Shameless, para dar paso a They All Want You, pieza lenta, también parte del repertorio acostumbrado de Lissie, efectiva y habitual en su discografía.

Sleepwalking es otra pieza clave del disco, con una progesión a los 15 segundos de iniciada que explotan al máximo el ritmo y la cadencia de una Lissie que se muestra en su plenitud, y es que la banda de apoyo es sin duda alguna, lo mejor que tiene para deslizar su voz en cada acorde. I Don't Wanna Go To Work es otra canción de esas que se inician con una calma que se sabe cortará en cualquier segundo, y es la progesión que lleva el bombo, la que indica el momento indicado para la incursión del bajo, que rodea todo, para nuevamente caer en el silencio y explotar repetidas veces en un espiral sonoro. Mountaintop Removal y la presencia del piano transforman en una noche apacible los pensamientos, y se mantiene de esa forma tras los 5 minutos y algunos segundos más que dura el tema. Love The City es también una pieza introspectiva, atmosférica, meditabunda. I Bet On You empieza a cambiar el caracter apacible de los últimos minutos, y es una guitarra oscura la que se desliza para dar forma a uno de los grandes momentos de este disco. Cold Fish es también una pieza interesante dentro del universo del Back To Forever, la misma fórmula aplicada a Can't Take It Back, siempre bajo la influencia de una batería que marca el ritmo en los momentos de quietud. Y finalmente Back to Forever, canción que lleva el nombre del disco y que cierra de manera genial una producción que supera con creces a su antecesora.

Ingrid Michaelson - Lights Out (EE.UU, 2014)

Ingrid Michaelson, la hipster, la belleza nerd de los lentes anchos vuelve para simplemente deleitarnos con un grupo de canciones que la convierten, que la transforman sobremanera con respecto a su anterior producción. La Lisa Loeb de esta década nos regala hits a borbotones en esta nueva producción, que no se dejan esperar y es desde Home, primera pista del disco, donde se aprecia cuál va a ser camino que va a seguir Lights Out. 

Girls Chase Boys empieza con un estribillo pegajoso, exáctamente el necesario para cautivar. Y es con Wonderful Unknown, cuando las revoluciones bajan, pero el interés aumenta, logrando colocar una balada entre algodones pop, Seguimos avanzando y encontramos You Got Me, con una excelente batería y coros que marcan el ritmo de la canción, generando una atmósfera de perfecta psicoacústica para dar paso a Warpath, que cuenta con un estribillo tan pegajoso como inocente, acompañado también por el juego psicoacústico y los momentos donde la percusión invade todas las líneas. Handsome Hands marca una pausa nuevamente y es el teclado el elemento más importante, pero lo que hace atractiva esta canción es la progresión ascendente que termina incluyendo arreglos de trompeta. Apreciar con detenimiento Time Machine es  tal vez una obligación, porque Ingrid Michaelson juega con cuerdas, con vientos, con silencios, con voces, con todo lo que tiene a su alcance, y es con esa introducción de teclado y bajo donde captura la mayor atención, siendo los 36 segundos iniciales más hipnotizantes del disco, además las estrofas y el coro, por igual, logran redondear una canción perfecta, quedando claro que no se necesita dar un mensaje, es suficiente un tarareo pegajoso para tener cerca a la audiencia.

One Night Town es una pieza pop de toque azucarado, que fácilmente se puede emparentar a la Maarja del First In Line, disco que sonó por aquel lejano 1998. Lo que sigue es una secuencia de temas introspectivos a base de piano: Open Hands; Ready To Lose; Stick; Over You; Everyone Is Gonna Love Me Now y My Darling. Punto a parte para Afterlife, el genial primer single de este disco. Genial no porque sea una pieza maestra de la música comercial contemporánea, sino porque logra atrapar a pesar de ser tan sencilla, y es que si la apreciamos como es debido, su encanto radica en lo que esta señorita está acostumbrada a hacer: cautivar con esa simpleza que parecía perdida por mucho tiempo en el ambiente pop.

Nirvana: himnos para un espíritu adolescente (1987-1994, USA)

Hay bandas de rock de las que no se puede hablar sin evitar recordar momentos de la infancia, de la adolescencia, sin dejar de lado el sentimentalismo hacia aquellas épocas. Hay bandas de rock como Nirvana que no pueden ni deben ser olvidadas, porque impulsaron un movimiento, porque asumieron una postura, porque buscaron un sonido innovador, porque marcaron a toda una generación, esa generación apodada  “X”, que buscaba una identidad, y que gracias a la música, logró apaciguar en algo aquella búsqueda, aquel descontento. Y es  que cuando escuchamos a esta banda, nos invade una inmensa nostalgia, esa nostalgia de saber que vivimos y crecimos en la misma época en que se desarrolló  un grupo de los legendarios, de los grandes, de aquellos  contemporáneos que paradójicamente nunca podremos ver en vivo.

Cuenta la historia que un día de 1988, bautizados ya como Nirvana, la banda formada por Kurt Cobain, Krist Novoselic y Chad Channing firma un contrato con la disquera independiente Sub pop para la publicación de su primer álbum titulado Bleach, que llevaría uno de sus más grandes éxitos: About A Girl, con un sonido completamente influenciado por The Beatles.

Tras la salida de Chad Channing y el ingreso del baterista Dave Grohl, la banda empieza a grabar su  nuevo álbum bajo la producción de Butch Vig, conocido productor que también ha trabajado con las bandas The Smashing Pumpkins, Soul Asylum, Green Day, Foo Fighters, entre otras, además de ser el baterista de Garbage. El resultado es el conocido: Nevermind se convirtió en todo un éxito comercial, significó el posicionamiento del grunge como estilo y además, con Smells Like Teen Spirit, se forjó un himno para toda una generación. Desfilan en este disco también, las conocidas Come As You Are; Lithium; StayAway; On A Plain y los memorables acústicos Polly y Something In The Way.

Para su siguiente disco titulado In Utero, la banda busca un sonido diferente, porque se cuenta que Cobain no quería la fama que se alcanzó con el Nevermind, el resultado de este tercer álbum es bastante auspicioso, las críticas de la prensa especializada fueron más que alentadoras, y si bien es cierto, el sonido presenta algunas variantes, las canciones tienen lo necesario para repetir el éxito, principalmente Serve the servants; Heart-shaped box; Rape me; Dumb; Pennyroyal tea y All Apologies, fueron las encargadas de acrecentar aún más el fervor hacia la banda y hacia su líder.

Y como las desgracias parecen perseguir al grunge, un día de abril de 1994, Kurt Cobain, de 27 años, se suicida disparándose con una escopeta, como consecuencia de sus problemas depresivos y adicciones… una pérdida que hasta hoy el mundo de la música y los fans se lamentan.

El legado de Nirvana es ampliamente reconocido, y muchos discos póstumos, entre recopilatorios, rarezas y lados B, recibieron gran acogida, poniendo de manifiesto la importancia que había logrado el trío, destacando entre estas publicaciones el excelente MTV Unplugged, grabado meses antes de la muerte de Cobain, sesión donde se reinventaron varios temas y popularizaron algunos de menor difusión que resultaron de mayor atractivo por los arreglos que supone una versión acústica. 

Varias canciones publicadas años después también levantaron bastante polvo, como el álbum en vivo From the Muddy Banks of the Wishkah, que contaba con una canción que extrañamente se convertiría en todo un boom: Aneurysm, que por cuestiones de la vida, pasó casi desapercibido cuando salió publicada como cara B del Smells Like Teen Spirit y posteriormente en el EP de 1992, Hormoaning.

Y entre problemas legales con Courtney Love, viuda de Cobain y la venta abrumadora de estos discos, se puso de manifiesto nuevamente la importancia de la banda, y es con el compilatorio autotitulado, que Nirvana se coloca después de mucho tiempo en los rankings de todo el mundo: el inédito You Know You're Right, confirma que la fusión Cobain/Novoselic/Grohl  fue todo un fenómeno y difícilmente se podrá olvidar.

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Parte de este artículo fue publicado el mes de Setiembre 2013 en la revista Zona Joven (#186)

Alice In Chains: Las cadenas del grunge (1990-2013, USA)

Con Layne Stanley, en los 90's.

A fines de los años ochenta, se gestó un movimiento que de alguna forma, propició el fin del reinado del glam metal, que en su mayoría abarcaban letras superficiales de amor, acompañados por un look bastante llamativo y edulcorado, que no hacían más que presentar un estilo de vida descontrolado y lleno de excesos, con videos que hacían gala de aquellos atributos. Con la llegada del grunge,  terminó toda esa parafernalia que estereotipaba a los rockeros como bohemios sin control, para dar paso a un sonido áspero y letras con mayor profundidad y preocupación por la sociedad, llenas de descontento con la vida misma, nutrida  por varios estilos musicales, entre los que destaca el noise, el punk y el hard rock, y que obtuvo acogida casi de forma meteórica, principalmente gracias bandas como Nirvana,  Pearl Jam, Soundgarden, Stone Temple Pilots, The Smashing Pumpkins y Alice in Chains.

Al igual que la mayoría de bandas grunge, Alice in Chains se desarrolló en Seattle, bajo una fuerte dosis de música depresiva y oscura, pero que tenía bastante potencia, llegando a ser muy influenciada por el heavy metal y el hard rock, gracias a la guitarra de Jerry Cantrell y la voz áspera y taciturna de Layne Stanley, que brindaba un sonido distinto en relación a otras bandas de la misma vertiente.

Facelift, la primera producción de la banda, aparece el año 1990, siendo un boom gracias al sencillo Man in the Box, cuyo video se vuelve habitual en la programación de la Mtv, de esta forma, la banda empieza a ser conocida hasta lograr una nominación a los Grammy, premio que a través de su trayectoria nunca pudieron obtener.

En 1992, la novedad es el álbum Dirt, editando algunos de los temas que se harían imprescindibles en su discografía, así encontraremos sonidos heavy en Them Bones; Dam That River y otros más oscuros y desgarradores en Rooster; Dirt; Down In A Hole y Would?, tema donde el bajo y la percusión inicial le dan toda la personalidad a la canción.

Jar of Flies, EP de 1994 continuó cosechando éxitos, mientras que las dificultades con sus integrantes debido a sus problemas con las drogas, iban en aumento, especialmente con el vocalista Layne Staley, cuyas interpretaciones cada vez se hacían más oscuras y pesimistas, detalle que muy a su pesar, era considerado como parte del éxito de la banda. Rotten Apple; I Stay Away y Nutshell, reflejan aquel momento. Llega 1995 y su siguiente producción homónima se abre paso con Heaven Beside You y Over Now, esta vez interpretados por el guitarrista Jerry Cantrell.

En 1996 llegaría la filmación del Mtv Unplugged, que sería la escalada final para la banda, el punto de apogeo para una agrupación que venía cayendo por la adicción de su vocalista, que al parecer, ya no podía controlar su relación las drogas, cayendo en estado crítico, suspendiendo varios conciertos de sus giras. Con todos estos problemas a cuestas, realizar el especial concierto acústico para la cadena televisiva y logran una magnífica presentación, que hasta la fecha es considerada una de las mejores sesiones realizadas para la televisión por cable.

Tras un breve receso y luego de la incursión solista de Jerry Cantrell, la banda se reúne para grabar dos temas que salieron publicados en Music Bank, que no era más que un box set comprendido por 4 discos recopilatorios que incluyen demos, rarezas y material multimedia. La desintegración de la banda se veía venir.

Y la triste noticia tenía que llegar algún día, y fue el 20 de abril del 2002, cuando Layne Staley fue encontrado en su casa, sin vida, producto de un coctel mortal de drogas. Había llegado el final de una era.

El 2005 la banda se reúne, pero no es hasta el 2009 que logran completar Black Gives Way To Blue, que sería su nuevo álbum luego de 14 años alejados de los estudios de grabación. Para esta oportunidad, la banda recluta a William DuVall como vocalista, e inician una nueva etapa para los amantes del grunge, con temas que cubren las expectativas, encontrando más de una sorpresa en All Secrets Known; Check My Brain; A Looking In View; Lesson Learned; Private Hell y la pausada Black Gives Way To Blue, que da título al álbum.

En esta nueva etapa se han dejado de lado aquellas capas de oscuridad que envolvían sus canciones, ganando terreno el lado áspero y potente que llevan las guitarras de Cantrell, haciendo recordar en gran medida el hard rock que siempre tuvieron como influencia, es de esta forma que The Devil Put Dinosaurs Here, producción del 2013, se desenvuelve con bastante agresividad desde el primer track, y Hollow, es claro representante del sonido actual de la banda, siguiendo el mismo patrón Pretty Done; Stone; Breath On A Window y Phantom Limb.

Un regreso inesperado y sorprendente.

Formación actual de la banda, con William DuVall en la voz.

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Parte de este artículo fue publicado el mes de Agosto 2013 en la revista Zona Joven (#185)

My Chemical Romance: No tan convencionales.

Si hay una banda que intenta por todos los medios (conciente o inconcientemente) zafarse esa bendita etiqueta emo, diría que es My Chemical Romance, y no es que el ser emo sea algo malo, pero musicalmente hablando, esta vertiente  no tiene un estilo característico, y si lo tuvo, quedó relegado a mediados de los noventa, contrario al identificable sonido del Punk, Heavy metal, Pop, Soul, Blues o cualquiera de aquellas corrientes añejas, que tienen ciertos patrones característicos que sólo  se encuentran en  el emo a través de su temática “emocional”, de donde deriva su nombre y a la forma de vestir de sus cultores, tomada en gran medida del gothic y el dark. Estos  detalles  no pueden definir  un estilo musical porque para ese caso, cualquier canción depresiva de Radiohead o Bat For Lashes podría ser catalogada como emo, cosa que sería muy alejada de la realidad.

La evolución de My Chemical Romance ha ido dando pasos muy seguros y es desde el 2002 con I Brought You My Bullets como punto de partida que su música  se establece  entre el punk y el denominado post hardcore, así tenemos Honey, this Mirror Isn't Big; Vampires Will Never Hurt You; Our Lady of Sorrows; Skylines And Turnstiles y Demolition Lovers como lo más importante de aquel primero disco, canciones que no son espectaculares, pero que logran el propósito de mostrar una banda nueva con ambiciones grandes, para años después en Three Cheers For Sweet Revenge, hacer ligeras variaciones y establecer un sonido algo más rockero, con letras introspectivas que se acercan más a lo que podría considerarse temática  emo, Helena es el tema que encaja bien en esta descripción, igual que Give 'Em Hell, Kid; Thank You For The Venom; The Ghost Of You y  I'm Not Okay (I Promise) como lo más resaltante de una  segunda experiencia discográfica que intenta enmarcarse dentro de un espectro más amplio. 

Sorpresivamente, luego de esta producción encontramos un notorio punto de quiebre en The Black Parade, tomándose el atrevimiento de ejecutar solos de guitarra emulando a Queen, Whitesnake y Pink Floyd (salvando las distancias, por cierto), logrando su punto de ebullición hacia el track 5 con The Black Parade, mostrando  una interesante introducción de piano, voz y un juego de tarola de marcha épica en camino al cadalso (así de trágico suena), con un crescendo que alcanza el éxtasis batero casi al promediar los dos minutos del tema y una fuga acostumbrada, sin dejar por eso de ser sumamente interesante. Famous Last Words; I Don't Love You; Disenchanted y Teenagers completan un disco donde el esfuerzo por mostrar algo nuevo es evidente.

Para Danger Days; The True Lives Of The Fabulous Killjoys presentan pinceladas del rock alternativo y por momentos del garaje, elementos que al parecer incluyen para alejarse de una corriente de la  que según ellos mismos, nunca fueron parte. Resaltan los temas Na Na Na (Na Na Na...); Bulletproof Heart; Vampire Money; Party Poison; The Only Hope For Me Is You, Bulletproof Heart y Sing, bajo una temática post apocalíptica como concepto de un álbum cuyos videos hacen referencia inequívoca a Mad Max y otras películas setenteras de la misma temática.

Y si es que una banda se atreve a dar  vida a un proyecto conceptual, debemos entender entonces que debe existir una conexión necesaria entre todos los elementos del álbum. Esta apuesta ya había sido objeto de experimento en The Black Parade, pero en este disco, el vínculo entre todos los tracks se siente mejor logrado, muestra de ello son los videos presentados para cada tema, sin lugar a dudas, lograron un producto equilibrado.

El 2012 sería el año en que la banda decide lanzar una serie de vinilos titulados Conventional Weapons, que no son más que versiones descartadas de la época del Danger Days…  y que son puestas a disposición en formato de 7’’ y a  decir verdad,  ninguna canción suena mal, destacando Boy Division; Gun; The World Is Ugly y Kiss the Ring. Esta colección de 5 vinilos, que cuenta con dos temas en cada uno, se completó la primera semana de febrero, y cierra un círculo promocional para mantener en actividad a una banda que con el paso del tiempo ha sabido demostrar que no todo es emo (como muchos creen) en su camino por la vida musical.

Sorpresas y más sorpresas...




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Parte de esta reseña fue publicada el mes de Enero 2013 en la revista Zona Joven (#169)

Taylor Swift - Red (2012, Estados Unidos)

Es difícil no dejar de hablar del último disco de Taylor Swift, que ya es todo un éxito de ventas, y que tiene a buena parte del mercado norteamericano rendido a sus pies, principalmente por toda la maquinaria comercial que mueve Big Machine Records, dedicada principalmente a artistas de género country, ese género que ya no es del todo propio de la potencia del norte, sino, recordemos a artistas como Shania Twain, canadiense que hizo una fructífera carrera en este mismo formato, y sin ir muy atrás en el tiempo, encontramos a Keith Urban, australiano que también disfruta del éxito de ventas y reconocimiento musical con el mismo género.

Taylor Swift llega una vez más con esta combinación muy equilibrada entre pop y country, que nos dejará muchas interesantes propuestas luego de escuchar la totalidad del trabajo; primero, porque se encuentra en constante búsqueda de nuevos sonidos, y segundo, porque intenta mostrarse como una chica madura, que a diferencia de otras artistas contemporáneas que se van despojando cada vez de más y más ropa para mostrarle al mundo que van creciendo, esta blonda muñeca de porcelana no se apresura y prefiere ser aún sobre el escenario una chica que va descubriendo sus capacidades, que cree en su propuesta más allá de vacilaciones estéticas, aunque por supuesto, descuidar ese aspecto tampoco está en sus planes, pero siempre como complemento a lo musical.

Red, es un álbum pop country, que por momentos divaga en buen sentido con el indie, el britpop y el dubstep.   Por casualidad o a conciencia, Swift logra combinar estos estilos sin que el resultado sea un extraño experimento, por el contrario, logra apropiarse de ellos como si hubieran sido parte de su esencia siempre.

Este cuarto disco comienza con State of grace, un solvente corte pop, jugando con la psicoacústica de los tambores y la voz de una Taylor Swift que se multiplica como un eco. De esta buena obertura, prosigue Red, con un banjo que nos avisa del country que se acerca, de un country con violín incluído, poblado de elementos pop que logran una amalgama que calza a la perfección y que por algo da título al disco.

Treacherous es el tema que pone calma en el panorama, pero una vez culminado se eleva todo una vez más con I knew you were trouble, que se presenta con un sonido electrónico y completamente novedoso en su discografía, con guiños al dubstep y una voz entrecortada que emula una típica mezcla de dj. All too well es una genial pieza que vuelve a bajar las revoluciones del álbum, donde el bajo y la batería hacen notar bastante su presencia. 22 y We are never ever getting back together son canciones muy similares, aunque la segunda es la que fue lanzada como single y la que prácticamente le abrió las puertas al éxito de este nuevo álbum.

Y como para recordar Our song (Taylor Swift, 2007); The other side of the door (Fearless, 2009) y Mean (Speak Now, 2010); Stay, stay, stay se presenta como el track netamente country, con aires bastante sureños, donde Taylor se desenvuelve de forma muy natural, dejando presente su principal influencia.  A continuacion, The last time amplía el espectro musical y explora en la ruta del indie acompañada de Gary Lightbody, cantante y líder de la banda escocesa Snow Patrol. El resultado es una canción muy buena, aunque con un estilo extremadamente similar a los escoceses, resultado tal vez de que el tema en cuestión fue producido por Jacknife Lee, quien tuvo en sus manos la producción de Eyes Open, el mejor trabajo de Snow Patrol a la fecha.

Holy Ground, pista once del álbum, presenta el mismo recurso de State of grace, psicoacústica, pop cumnplidor, y coros complementarios, aunque el silencio a los 31 segundos es el que termina por dar personalidad al tema. Sad, beautiful, tragic es una canción que recuerda bastante a Safe and sound, que hiciera al lado de The Civil Wars para la saga Crepúsculo. Everything has changed es otra de las novedades, y esta al parecer resultó ser mucho más atractiva que juntar a Taylor con Gary Lightbody, porque Ed Sheeran, quien hace la segunda voz en el tema, es un cantante inglés que últimamente se está conviertiendo en la sensación de los adolescentes por tener un disco plagado de canciones de amor, básicamente de carácter tímido y melancólico acompañado en más de una ocasión sólo de una guitarra acústica. Starlight, es también el acostumbrado sonido pop que se escuchó en You belong with me; The story of us y I'm only me when I'm with you.  Lucky One y Begin again son tracks familiares, acostumbrados, donde se destaca el buen trabajo de cuerdas, ya sea de guitarras, banjos y violines, dejando siempre aquella vena country entre tanta balada de amor.

We are never ever getting back together   hacía presagiar que el sonido de Taylor Swift estaba a punto de abandonar el country, porque se presentaba como single a una canción extremadamente pop, al estilo de Katy Perry o Kesha, pero las dudas se despejaron al escuchar la producción completa, el estilo sigue intacto, con algunas experimentaciones que no abruman ni se apoderan del resultado final del producto, todo lo contrario. Red, su cuarto disco, es lo mejor que viene haciendo hasta el momento.

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Parte de esta reseña fue publicada el mes de Noviembre 2012 en la revista Zona Joven (#164)

Christina Perri - Lovestrong (2011, Estados Unidos)

Christina Perri gusta del romanticismo a media luz, de las melodías in crecendo y del lamento interior, un lamento que suele generar hermosas proezas musicales y que suele ser una gran inspiración para elaborar temas desgarradores, al límite del romanticismo masoquista, del rechazo, del olvido, del amor ignorado. Para lograr su propósito (o sin proponérselo) esta linda chica atormentada, se vale de la destreza frente al piano y la guitarra para componer piezas memorables y que sin tanto esfuerzo logran deambular por los sentimientos más íntimos del ser, ejecutando sonidos precisos para sugerirnos determinado estado de ánimo, que cual mensaje subliminal nos transporta hacia pasajes remotos del subconsciente, hacia esos pasajes que tal vez quisiéramos olvidar.

Lovestrong es el álbum debut de esta cantante norteamericana que logró ascender de forma rápida en el mercado musical con su primer single titulado Jar Of Hearts interpretado por primera vez en el programa So You Think You Can Dance el año 2010. Desde entonces, Perri sólo ha conocido el éxito en cada paso que ha dado, de distintas proporciones, pero éxito al fin y al cabo, porque su segundo single Arms no llegó a superar a su predecesor, pero eso no significa que no haya logrado records al poco tiempo de su difusión, alcanzando el puesto 13 del US Adult Pop Songs del Billboard durante la semana de su estreno (Marzo 2011), mientras que Jar Of Hearts alcanzara el puesto 4 del mismo ranking (Julio 2010).

A través de doce temas, Christina Perri nos introduce en un paseo melódico cargado de piezas pop, algunas soul y otras folk, entre las que destacan a parte de las mencionadas Jar Of Hearts y Arms, canciones como Miles; Bang Bang Bang; Distance; The Lonely; Sad Song y Tragedy, acompañado de espectaculares cellos y violines, cuyo coro me recordó mucho a la participación de Marianne Faithfull en The Memory Remains de Metallica. De esta forma, se cierra un disco con gran espíritu romántico que en lineas generales nos recuerda a artistas tan importantes como Sarah Maclachlan, Tori Amos, Lisa Loeb, Jewel Kilcher o Ingrid Michaelson.

Jar Of Hearts:


Arms:

Dasher - Panoramic Blast (2004, Perú - EE.UU.)

Desde los inicios de Electro-Z hasta la mutación bautizada como Dasher, L.A.S.E. y Jennifer Cornejo sorprenden a todos con artilugios electrónicos, con guitarras al estilo Pixies (del Surfer Rosa) y con letras divagantes que muchas veces no se pueden descrifrar.

Así es Dasher, banda fundada en New Jersey por los Electro-Z, que les costó algo de tres años formar y poco tiempo de cambiar, porque ahora Jennifer Cornejo anda sola con proyectos propios y esperando el momento de dar el gran salto como en alguna oportunidad lo hizo con Electro-Z.

Este disco debut es muy bueno y refleja el estado de ánimo que tenía el grupo y las ganas de demostrar todo lo que no pudieron hacer en Electro-Z, una mezcla de Electrónica, Post-Punk, Indie y Garage que por momentos nos recuerda fácilmente a cualquier grupo inglés.

Once temas que presentaron una mítica noche de enero en Lima, demostrando toda la energía y la performance inigualable para cualquier grupo hecho en Perú, toda la experiencia y la potencia puesta en escena que marcó una distancia abismal a comparación de calquier espectáculo que pueda dar grupo peruano alguno.

Panoramic Blast inicia con el tema del mismo nombre, susurrante Jennifer Cornejo acompaña la guitarra de L.A.S.E. que inicia con un "And like the band names, they don't count..." y el segundo tema no da respiro porque Mother Moth inicia sin retraso alguno, siempre pausado al inicio para explotar en el coro.

Room pone la pausa al disco y baja las revoluciones por un momento, hasta empezar de nuevo con Moderated Freedom, pasar por Milligrams of Thin, Garden (buena voz de Jennifer Cornejo) y llegar al mejor track del disco Speeding Lovers, cantado íntegramente por Jennifer, que curiosamente presenta sonidos más parecidos a la etapa Electro-Z.

En resumen, Panoramic Blast es realmente una Explosión Panorámica, una explosión creativa que deja en buen lugar a Electro-Z para dar paso a algo más grande... Dasher.

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Jewel - Spirit (1998, USA)

Spirit es el segundo disco de Jewel, más intimista que Pieces Of You, más romántico, más depresivo y más tierno. Acompañada nuevamente de una guitarra, Jewel refleja su espíritu sensible, tanto en composición como en ejecución musical, con temas melancólicos y atmósferas intimistas, y más de lo que Jewel sabe crear en cada acorde.

Este esperado trabajo cumplió con las expectativas puestas en esta cantante norteamericana, que en corto tiempo logró múltiples reconocimientos y ventas inimaginables para su novel trayectoria. Jewel se muestra madura y más segura en el estilo que la caracteriza, dejando en esta oportunidad joyas como Deep Water, What's Simple is True, Hands, Kiss the Flame, Down So Long y Jupiter (que fue remezclada para su versión en video, logrando un estilo pop, que años más tarde llevarían a Jewel por un camino incierto).

Spirit fue en corto tiempo el pico máximo de Jewel, porque sus siguientes producciones se pierden entre el pop y las baladas, que nada de malo tienen, pero que de alguna manera, hicieron mermar el nivel de aceptación del público objetivo de Jewel.

Este disco es infaltable en la colección...

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Richard Band - Re-Animator: The Definitive Edition Soundtrack (2001, EE.UU.)

Re-Animator es una película gore, del año 1985 dirigida por Stuart Gordon, basada en un cuento del escritor de terror H.P. Lovecraft, titulado "Herbert West: Reanimator".

Cinta de culto y magnífico soundtrack, rinde homenaje al tema central de otra película de culto como Psicosis, pero esta vez la transforma en un sonido algo más limpio y no tan clásica como la original, lo que le valió un sinfin de críticas por parte de la prensa especializada, tildando su obra como plagio.

Este soundtrack funciona muy bien, tiene los elementos necesarios para complementar la historia, es un disco interesante e infaltable para todos aquellos que hasta ahora recordamos con agrado esa gran película llamada Re-animator.

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