Las canciones del 2011...

20. Yelle - Que Veux-Tu



19. La Oreja de Van Gogh - La Niña Que LLora En Tus Fiestas



18. Kanaku y El Tigre - Tu Verano Mi Invierno



17. Death Cab For Cutie - You Are A Tourist



16. Natalie Walker - Cool Kids



15. Christina Perri - Arms



14. Katy Perry - The One That Got Away



13. Sophie Ellis-Bextor - Starlight



12. The Ting Tings - Hang It Up



11. Patrick Wolf - Together



10. Skylar Grey - Invisible



09. The Vacines - If You Wanna



08. Beady Eye - The Roller



07. Noel Gallagher - The Death Of You And Me



06. Snow Patrol - Called Out In The Dark



05. Pamela Rodríguez - Ligera Love



04. The Joy Formidable - Whirring



03. Tyler Bates feat. Lisa Papineau - Two Perfect Moments



02. Hugh Laurie - You Don't Know My Mind



01. Adele - Rolling In The Deep

Los discos del 2011...

Seleccionar lo mejor del año siempre es una tarea difícil, y mucho más cuando este 2011 se ha caracterizado por ser poco atractivo y falto de ideas.
Entre tantos grupos independientes con sonidos pretenciosos y sin ninguna muestra de personalidad, logré encontrar una serie de discos que a mi parecer logran ubicarse por delante de muchas bandas que tuvieron bastante exposición en los medios.
Esta es una apreciación muy personal de lo bueno que deja este año que se va.

16. Kanaku & El Tigre - Caracoles.
Es una grata sorpresa descubrir a este dúo que sale de los cánones establecidos en la escena peruana, porque es tal vez la primera oportunidad que tiene el folk puro en nuestro medio, y además porque se nota sincero, sin esfuerzos, sin poses, narrando historias cotidianas con una voz casi en el letargo de la añoranza, dibujando en sus versos paisajes de la Lima urbana, como evocando algún recuerdo de tiempos mejores.

15. Death Cab For Cutie - Codes And Keys.
A pesar de contar con siete producciones, esta banda estadounidense aún mantiene cierto perfil bajo y siguen creando buenos temas como Some Boys, Doors Unlocked And Open, Monday Morning y You Are A Tourist.

14. Coldplay - Mylo Xyloto.
No habían muchas expectativas con este disco, porque el primer single Every Teardrop Is A Waterfall, era pegajoso, pero apelaban al sampleo de un tema ajeno, como si buscaran llamar la atención, facilismo para algunos; pero cuando se escucha por completo el Mylo Xyloto, resulta que encontramos futuras joyas como Hurts Like Heaven, Major Minus y Don't Let It Break Your Heart.

13. La Oreja De Van Gogh - Cometas Por El Cielo.
¿Qué más puedo decir de estos españoles?, simplemente que lograron capitalizar al máximo sus virtudes y su buen oficio para hacer pop, regalándonos temas que de seguro quedarán en la memoria como sólo ellos lo saben hacer. Para eso están Día Cero, Cometas por el Cielo, Un Minuto Más, La Niña Que LLora En Tus Fiestas y Mi Calle Es Nueva York.

12. Natalie Walker - Spark.
En su tercer disco, Natalie Walker sigue explotando ese lado melancólico que sólo ella sabe expresar con su dulce voz, como lo hizo en Urban Angel (2006), en With You (2008), ahora nos emociona con Uptight, Cool Kids, Mars, y Sunday Afternoon.

11. Christina Perry - Lovestrong.
El 2010 adelantó el single Jar Of Hearts y para Mayo de este año publicó el disco Lovestrong con canciones que van por una onda intimista, sin llegar a ser baladas completamente, haciéndonos recordar a Sarah McLachlan en temas como A Thousand Years y Arms, lo mejor de su disco debut.

10. Sophie Ellis Bextor - Make a Scene.
Y un día volvió la muñeca de porcelana de las pistas de baile, Sophie Ellis-Bextor, dispuesta a reeditar el éxito que alcanzó con discos como Read My Lips, Shoot From The Hip y Trip The Light Fantastic. Para ello están temas como Revolution, Bittersweet, Heartbreak (Make Me a Dancer) y Starlight.

09. The Vaccines - What Did You Expect From The Vaccines.
Formados el 2010, The Vaccines nos regala un puñado de canciones con aires ochenteros, a lo indie, a lo post punk, dando nuevos aires a la desgastada fórmula iniciada por The Strokes y seguida por una serie de bandas inglesas que sólo terminaron de maltratar un sonido que prometía mucho. Basta con poner el disco y escuchar Wreckin' Bar, If You Wanna y Post Break-Up Sex para darse cuenta del futuro que le espera a este grupo.


08. Patrick Wolf - Lupercalia.
Siempre supe que Patrick Wolf era una especie de divo moderno, y eso queda demostrado con este disco, que es completamente opuesto a su anterior The Bachelor, más triste e instrospectivo, menos alegre que Lupercalia, que está lleno de vida y optimismo, porque aunque muy pocos lo crean, de la felicidad también salen grandes canciones. Y lo sigo diciendo hasta el día de hoy, Patrick Wolf es el sucesor de Jarvis Cocker.


07. Snow Patrol - Fallen Empires.
A estas alturas de la vida el que no haya escuchado a Snow Patrol tiene que ir a confesarse... y luego escuchar cien veces Called Out In The Dark.



06. Pamela Rodriguez - ReconoceR.
'ReconoceR' es un ejercicio indie arriesgado para una escena peruana muy distante a este estilo, pero Pamela Rodríguez demuestra destreza para hacer suyo un sonido que nunca asomó en trabajos anteriores, eso es lo más importante para un músico, experimentar con ritmos ajenos, explorar parajes desconocidos y si el resultado es como el que ha tenido este álbum, entonces se puede decir que ha sido exitoso.

05. Adele - 21.
Este año Adele sólo fue opacada por Amy Winehouse, la reina del soul que como todos sabemos, ya no está entre nosotros. 21 muestra mucho de la influencia del soul, el jazz y el blues, que han colocado a Adele entre las artistas más importantes del momento, y para muestra bastaría sólo con escuchar Rolling In The Deep, pero no, si quieren saber en verdad cuánto más vale Adele, sigan con Rumor Has It, He Won't Go, I'll Be Waiting, If It Hadn't Been For Love y Set Fire To The Rain.

04. The Joy Formidable - The Big Roar.
El noise y el post punk encuentran refugio en The Joy Formidable, banda inglesa que presenta su primer album con muchas sorpresas, porque nunca un debut sonó tan bien. Atención a The Everchanging Spectrum of a Lie, Magnifying Glass, Cradle y Whirring.

03. Beady Eye - Different Gear Still Speeding.
Liam Gallagher presenta una "nueva" propuesta con los ex integrantes de Oasis, y digo "nueva" porque Beady Eye parece ser una extensión de la fenecida banda que formó con su hermano Noel, y es que definitivamente será muy difícil evitar las comparaciones, ahí están Four Letter Word, The Roller, Beatles And Stones y The Beat Goes On; y mientras avanza el disco, Liam se va mimetizando cada vez más con la voz de su ídolo John Lennon ¿o no?

02. Noel Gallagher's High Flying Birds.
Es interesante escuchar dos propuestas distintas derivadas de un mismo grupo, Noel Gallagher presentó también su disco solista y al parecer le fue mejor que a su hermano, si bien es cierto, el sonido tampoco puede escapar de Oasis, encontramos tal vez los mejores momentos de su antigua banda en temas como AKA... What A Life!, (Stranded On) The Wrong Beach, Dream On, (I Wanna Live In A Dream In My) Record Machine y The Death Of You And Me.

01. Hugh Laurie - Let Them Talk.
Actor, comediante, escritor y músico, el popular Dr. House nos sorprende este año con un disco que suena demasiado bien para ser cierto, tocando el piano, la guitarra y además proporcionando la voz principal en todos los temas. Podemos reconocer en Hugh Laurie la destreza para captar el espíritu añejo del blues y ejecutarlo con tal genialidad que este disco se convierte en algo más que atractivo. Blues De Nueva Orleans para las nuevas generaciones.

Sounds of the Season: The Taylor Swift Holiday Collection (2007, USA)

El espíritu navideño invade a todos a pocas horas de la navidad, y llega con tal entusiasmo que muchos buscan ambientar sus casas con música alusiva al tema. Este es un buen momento para (otra vez) dejar de lado aquellos villancicos clásicos cantados por coros infantiles, que ya resultan muy monótonos y hasta aburridos. En años anteriores también compartí villancicos en pop rock, esta no va a ser la excepción, ahora quiero dejarles un EP de Taylor Swift publicado el año 2007, son sólo 6 canciones en pop country: 2 temas originales (Christmases When You Were Mine y Christmas Must Be Something More) y 4 covers de temas navideños entre los cuales se puede destacar Last Christmas, del grupo Wham!
Suficientes para ese espírtu navideño que seguirá in crescendo.

Feliz Navidad...

Pamela Rodríguez - RecoNoceR (2011, Perú)

Es una mujer más que interesante, camaleónica, ecléctica, le gusta divertirse con el piano, crear melodías, voces agudas, frases tiernas, inocentes, llenas de pop primaveral pero en esencia reflexivas, con sentido, capaz de emocionar a cualquiera hasta las lágrimas al escuchar temas como Cunita de Hielo o El Alma y el Arnés; así es Pamela Rodríguez, una compositora e intérprete alejada del molde acostumbrado en nuestro país, le gusta explorar ritmos, sonidos, texturas y de esta forma trazar un camino propio, porque en sus creaciones encontramos esa paz espiritual que hacía falta, porque en su simpleza está su genialidad, porque en la sinceridad de sus letras está su mayor fortaleza, porque nadie ha podido alcanzar lo que ella está alcanzando con Ligera Love, Mantra, Acertijo, Olvidando Que Te Olvidaba y Algo Pasó; y es que este disco está muy bien equilibrado de artificios indie, cual Regina Spektor, cual Bjork, cual Kate Nash. Es cierto, las comparaciones son odiosas, pero en esta oportunidad son necesarias para conocer el nivel que está logrando esta encantadora artista peruana. Los medios masivos no saben lo que están perdiendo al ignorar su arte, pero no importa, siempre existirán canales alternativos para la difusión de buena música.

Y como lo dije antes... es definitivo, es inevitable, recordaré este año principalmente por RecoNoceR, el tercer disco de Pamela Rodríguez.

La Oreja de Van Gogh - Cometas por el Cielo (2011, España)

¿La Niña Que Llora en Tus Fiestas es intento por hacer pop electrónico?, esa es la frase que muchos han recitado desde la aparición del último trabajo de La Oreja de Van Gogh, y es que en verdad no quedó muy claro, estos chicos anduvieron con rodeos y supieron captar la atención de gente distante a ellos jugándosela con un intro mutado a lo Dover, o si se quieren palabras mayores a lo Goldfrapp ("Oh La La"), pero no, nos equivocamos todos, porque LODVG sigue como de costumbre, con melodías azucaradas, con frases cursis, estribillos pegajosos y sonidos tan poperos que invitan a la diversión o al más puro romanticismo platónico, como ya su historia rezaba en discos anteriores.

Es importante señalar que la frescura de este disco se debe en parte a que Leire Martínez se siente más confiada con el grupo, más integrada, producto tal vez de la participación en el proceso creativo de cada tema y lo digo porque ahora Leire interpreta con más desfachatez y naturalidad, con esa seguridad que debe tener siempre el integrante que pone la carita al frente.

Cometas por el Cielo es la vuelta triunfal del que tal vez sea el mejor grupo pop de habla hispana, y para ello sólo basta con mirar las listas de ventas y difusión para saber que con sólo una semana LODVG ya estaba ubicado en el primer lugar de preferencias, cosa que no ocurría desde que Amaia Montero abandonó el grupo, porque tanto A Las 5 en el Astoria (2008) y Nuestra Casa a la Izquierda del Tiempo (2009) a pesar de lograr un primer lugar, no lo hicieron con la contundencia que este nuevo disco viene logrando.

Es simple, basta con revisar Cometas por el Cielo para saber por qué LODVG lo ha logrado en tan poco tiempo, la paradójica y edulcorada simpleza del sonido es gancho vital para estos menesteres, porque vuelven sobre sus pasos, porque recrean paisajes ya visitados de estrellas y ambientes polares, cual deja vú, repasando A Las 5 en el Astoria, Guapa, Lo Que Te Conté Mientras Te Hacías La Dormida, El Viaje de Copperpot o Dile al Sol, pero esta vez con mucho refinamiento y pulcritud. Y como algún punto a favor que mencioné al comienzo, la electrónica y las secuencias de teclados son muy importantes para un ensamble pop, porque se convierte en algo así como una evolución natural, que ya se ha venido trabajando en temas como Pop, Los Amantes Del Circulo Polar (El Viaje de Copperpot), Bonustrack (Lo Que Te Conté Mientras Te Hacías La Dormida) y A Diez Centímetros De Ti (Guapa), aunque sea sólo en limitados pasajes.

Repasando Cometas por el Cielo, podemos darnos cuenta que las referencias electrónicas se van diluyendo a medida que avanza el disco, porque en Día Cero vuelven al sonido habitual, y hasta nos recuerda fácilmente a Dulce Locura (Guapa), Paloma Blanca es la típica balada a la que nos tienen acostumbrados estos muchachos, muy similar a La Playa (El Viaje de Copperpot), fácilmente radiable, Cometas por el Cielo, siguiente sencillo del disco es muy comparable a Inmortal (A Las 5 en el Astoria) y según el mismo grupo, la letra va sobre la homosexualidad femenina. Un Minuto Más, es para mí lo mejor de este disco, puede parecer cansino, cadencioso para algunos, pero yo creo que Leire logra conectar con el mensaje, con la historia, la hace propia, como en Jueves (A Las 5 en el Astoria), pero siempre haciéndonos recordar algún tema antiguo, en este caso a Mariposa (El viaje de Copperpot) sobre todo por ese final combinando varias voces. Mi Calle Es Nueva York es un ejercicio del más puro y cristalino pop, 2 minutos con 46 segundos son suficientes para dejarlo bien claro, y por supuesto, ya huele a single, y si se dan cuenta, la guitarra del intro es muy similar a Manhattan (Guapa), completan el disco Promesa de Primavera, El Tiempo A Solas, Mientras Quede Por Decir Una Palabra y Esta Vez No Digas Nada.

Lo extraño de Cometas por el Cielo viene en las versiones que se venden por internet, 3 en total, y cada una con un bonus track diferente, que resultan ser más interesantes que algunos temas del disco físico. Y aunque suene raro, desencajado y hasta cómico para algunos, quiero decir que el bonus titulado Dos Copos de Nieve arranca con una guitarra metal, así es, "metal", y aunque dure sólo 17 segundos, parece otra banda, pero para no olvidar el pasado, el sonido de batería (o secuencia) ya había sido utilizado en el coro de Un Mundo Mejor (El viaje de Copperpot).

Otro de los temas interesantes es Me Falta el Aire, tan bueno como lo fue el bonus Pequeños Momentos (A Las 5 en el Astoria), le siguen Cometas Por El Cielo, La Niña Que Llora en tus Fiestas, Esta Vez No Digas Nada, El Tiempo a Solas y Mi Calle es Nueva York, todas en versión maqueta, que para ser sincero, no distan mucho de las publicadas en disco.

Cometas por el Cielo es un paso adelante en la carrera de La Oreja de Van Gogh.

Sólo quiero escuchar...

Me ha pasado. Puedo pasar horas de horas escuchando tu voz contándome una historia, pero mejor es si tu voz me susurra al oído, si aquel grupo de sonidos que fluye con el movimiento de tus labios me suena cálido, melancólico, cautivante, tierno o inocente, y si tus atmósferas son introvertidas y envolventes, sería perfecto, porque puedo transitar por senderos desconocidos, lúgubres y solitarios bajo la luz de la luna guiado sólo por tu voz, por tu canto, por tu encanto.

Existe un grupo de canciones que siempre escucho y que son las mejores del repertorio de un grupo de chicas que han sabido reflejar aquella introspección con su voz, con su música, con sus sonidos instrumentales. Es cierto, en la historia musical nunca ha existido una mujer que destaque por ser instrumentista virtuosa, pero le sobra talento en actitud y en facilidad para crear atmósferas sólo con la ayuda de su voz. Aquí quiero rendir tributo a un pequeño grupo de cantantes mujeres que destacan por ser grandes compositoras e intérpretes, acompañadas en algunos casos únicamente por sus guitarras y en otros, por toda su banda.

Difícil escoger a la mejor, porque entre Jewel, Madilyn Bailey, KT Tunstall, Keren Ann, Emilie Simon, Leigh Nash, Katie Herzig, Mazzy Star y Grace Potter ¿quién podría decidir?

PD. Esta es una recopilación personal, la lista de cantantes la pueden ver en la sección comentarios.

Grace Potter & The Nocturnals (2010, USA)

Hollywood Records es una disquera que se caracteriza por ser un sello teen pop (tiene en sus filas a Miley Cyrus, Jonas Brothers, etc.) que tuvo buena visión a la hora de reclutar el año 2005 a Grace Potter & the Nocturnals, banda ecléctica que venía desenvolviéndose con efectividad sobre los escenarios, principalmente porque su estilo musical no estaba del todo establecido, acostumbrando a realizar presentaciones "jam" que no es otra cosa que improvisaciones sobre la marcha entre el blues, hard rock, jazz, etc. cosa que para muchos es sinónimo de elogio por la destreza que se necesita para no desentonar en conjunto porque no se trabaja con un ensayo previo y eso los hace ser aún más apreciados por sus seguidores.

Con este tercer disco, Grace Potter & The Nocturnals se asienta definitivamente como banda rock con influencias setenteras que ya venía perfilando desde hace algún tiempo, ahora con más razón porque al parecer la partida del bajista Bryan Dondero por diferencias musicales con la vocalista Grace Potter y la inclusión de Catalina Popper en el bajo y Benny Yurco en la guitarra al lado del baterista Matt Burr y el guitarrista Scott Tournet han revitalizado la performance que muestra el grupo en sus presentaciones, con un espíritu mucho más tirado al blues (haciéndonos recordar a Janis Joplin) Grace Potter descubre su encanto vocal en temas como Tiny Light, Oasis, Low Road, Goodbye Kiss y Money. Pero el plato fuerte del disco se presenta en los actos mas desenvueltos, más guitarreros como Medicine, Only Love, Hot Summer Night y la excelente Paris (Ooh La La) que a cualquiera transporta fácilmente al sonido del Woodstock '69.

Grace Potter & The Nocturnals se descubre completamente en esta tercera entrega gracias a la producción de Mark Batson, reconocido productor que ha trabajado con Dave Mathews Band, Alicia Keys, Eminem y otros grandes artistas, el mismo Scott Tournet habla de ello: "Nuestro productor nos dio luz verde para tocar música sin ninguna presión... Hemos evolucionado a lo que somos ahora, y Batson ha sido el hacedor de todo esto."

Debo reconocer que Grace Potter & The Nocturnals se me escapó el año 2010 y no llegué a escuchar nada del disco, es un hecho que lamento hasta el día de hoy. Definitivamente debió estar en mi recopilación de fin de año.

P.D. Grace Potter, ¿Porqué sigo sin conocer a alguien como tú?

Leigh Nash...

Por casualidades de la vida he vuelto a tropezar con Leigh Nash, y está tan espectacular como cuando la vi por primera vez, aquel 1997 interpretando Kiss Me y There She Goes, radiante, con su cabello rubio, corto, simple, y su mirada inocente, y su voz tierna, y su fragilidad corporal, y su linda presencia sobre el escenario, irradiando algo más que dulzura.

Así era y sigue siendo Leigh Nash, tan única, inconfundible, hipnotizante, cautivante... como para vivir con ella en un sueño eterno... y nunca despertar.

Madre Matilda - Círculos (2000, Perú)

Este disco me dejó una muy grata sorpresa, era la primera vez que escuchaba a un grupo peruano que sonaba bien grabado, bien producido, bien arreglado, como si fuera de otro país, ¿y eso porqué?, simple, Círculos es una de las primeras producciones que fue editada por una multinacional como Sony en épocas en que la industria fonográfica local era prácticamente nula. El primer sencillo difundido por la fenecida Radio América fue el tema Sin Llorar, completamente pop y llena de efectos y sonidos envolventes que terminan por convencer, porque es efectiva, dinámica, pegajosa, y la voz de Pierina Less se acomoda tranquilamente a esos aires de diva pop, de convicción, de desenfado, dejando atrás aquella Pierina del disco debut que aún no terminaba de explorar su capacidad vocal y menos de explotar su performance como frontgirl de la banda, aflorando justo en el momento en que se gestó la mejor y última formación que tuvo Madre Matilda, aquella formación que en sus filas tenía a Carlos Salas en la guitarra, Vitucho Malásquez en el bajo, Jorge Olazo en la batería, incorporando posteriormente a Chisco Ramos en segunda guitarra, complementando un grupo muy bien cohesionado para las presentaciones en vivo.

Fue con estos integrantes que Madre Matilda alcanzó el reconocimiento que estuvo buscando desde el año 1997, con su primer larga duración editado por una discográfica peruana. Círculos se convirtió en un disco importante para la escena del rock peruano, no sólo por su música sino que además de eso, fue uno de los primeros grupos peruanos en grabar con la calidad que ofrece Sony, además de contar con la facilidad para la distribución y publicidad que puede manejar una multinacional.

Otro punto a favor para Madre Matilda fue que a parte de las facilidades para grabar, contaban con buen material de dónde seleccionar los temas que formarían parte de la producción, porque valgan verdades, Círculos tiene buenos temas, buenas letras, buena presentación en general, y además de la seguridad que les dió Pelo Madueño, (que por aquellas épocas aún daba vida a La Liga del Sueño) quien fue el productor de este disco.

Si nos paseamos por todos los tracks del Círculos podemos encontrar dos gratas sorpresas, la primera, es el haber incluído dos temas del debut: Entre Tus Brazos (con un ritmo más lento, como para darle más énfasis a la letra) y Deja de Llorar (casi la misma velocidad, pero con distinta instrumentación); la segunda sorpresa del disco es el cover de Regresa, vals de Lucha Reyes, reinventada al estilo Madre Matilda, con voz susurrante, lamentosa, de una Pierina Less que sabe llegar al corazón de los oyentes. Como anécdota contada por el mismo grupo, presten mucha atención a los 2 minutos con 5 segundos, luego de que Pierina canta "Pero Regresa..." se filtra la voz de Pelo Madueño que estaba en los controles del estudio y con la emoción de escuchar el tema en la voz de Pierina queda grabada su voz respondiéndole "Para qué".

En resumen, Círculos es un divertido paseo por los senderos del pop rock. Atención a los temas En Soledad, Las Hadas y Manos Blancas.

The Strokes - Is This It (2001, USA)

Han pasado 10 años del Is This It, 10 años para darse cuenta que aquella euforia por esta banda Neoyorquina fue extremadamente exagerada, porque muchos, sobre todo los especialistas, catalogaron a Julian Casablancas y compañía como "Los Salvadores del Rock", etiqueta que desde una distancia respetable queda demasiado grande para un grupo que si bien es cierto supo reciclar un sonido casi olvidado en el tiempo, no fue definitivo ni sustancial para ser considerado como "salvador".

Luego de aquel bombazo expresivo que significó Is This It, el grupo se perdió en el limbo de las ideas, en la divagación, en la desorientación y tal vez hasta en el miedo, porque el éxito y el nivel obtenido con aquel primer disco no encontró reafirmación en el siguiente album, abriendo puertas para una cantidad innumerable de grupo nóveles que supieron colgarse del sonido que les prometía sus 15 minutos de fama, como es el caso de The Hives, The Libertines, The Enemy, Air Traffic, The Fratellis, Arctic Monkeys y demás experimentos principalmente ingleses que veían a The Strokes como la panacea, el mesías... y eso, simplemente copiaron un estilo que terminó por agotarse y aburrir a más no poder, tan es así que los más "vivos" como Arctic Monkeys, ya están virando el timón hacia sonidos más oscuros, hacia algún estilo que les permita vivir un poquito más en el mundo de la música.

Is This It fue en su momento el "discazo" que todos querían escuchar porque en aquel 2001 simplemente no existía una banda que redescubra y reivindique el sonido áspero de los 70's, y el gran mérito de The Strokes fue ese, ensalzar un sonido añejo y hacer creer a las nuevas generaciones que ellos lo inventaron. Y en ese oficio son unos capos, porque Last Night, Hard To Explain, When It Started, Soma y Someday (por mencionar los más emblemáticos) tienen guitarreos sucios, de garage, que inevitablemente nos trasladan a los setentas.

Luego de Is This It, The Strokes simplemente pasó al olvido intentando repetir una fórmula "irrepetible", porque ya no contaban con el factor sorpresa ni con la imaginación para reinvetar algo que se puso sobre el tapete.

The Strokes no salvó al rock, lo terminó de hundir.

Metric - Fantasies (2009, Canadá)

Help I'm Alive irrumpe con un sonido atmosférico, con un sampleo, con una batería marcada como un metrónomo, monótona, hipnotizante, y Emily Haines lanza sus plegarias "I tremble/They're going to eat me alive..." parece querer escapar de todo, de la crítica, de la presión, del trabajo, de la sociedad, pero es casi imposible "Help, I'm alive, my heart keeps beating like a hammer", seguida por Sick Muse, tema tan crítico como el primero "Everybody, everybody just wanna fall in love" porque el amor es un peligroso campo en el que todos quieren caer "Watch out Cupid, money is a sick muse", genial disfraz para algo que todos creen dominar.

Metric es un grupo canadiense que siempre se caracterizó por crear canciones con sentido crítico y aunque Fantasies es un album más digerible que los anteriores, no deja de lado aquel espíritu, como en los temas mencionados líneas arriba o como en Gimme Sympathy, "Who would you rather be The Beatles or The Rolling Stones?/Oh seriously/You're gonna make mistakes you're young..." y Front Row "He’s not perfect he’s a victim/Of his occupation/Social insulation..." son sólo algunos ejemplos de la calidad creativa de este grupo fundado por la talentosa Emily Haines y James Shaw, quienes también forman parte de otra banda canadiense más emblemática aún como Social Broken Scene.

Fantasies es el disco número cuatro en la carrera de Metric, y es un disco que como lo dije en alguna otra oportunidad, no tiene desperdicio alguno, porque juega con una gama de sonidos importante para ser catalogado como pop, producto de los sintetizadores, del theremyn, de la destreza de sus integrantes y de la sencillez con la que parecen confundirse entre los instrumentos, gran detalle para darse cuenta que estos músicos no son nada improvisados y para coronar todo ello, las letras dan una importancia mucho más grande, como para redondear una perfecta actuación.

My luck is a lost key...

Xplora - Variaciones En Tiempo Real (2010, Perú)

Luego de algunos meses me he tomado la molestia de hacer una reseña de este disco, principalmente porque en su primera escucha no le encontré mayor atractivo que sí tuvo el Azul Electrónico, su primera producción. No quiero decir que Variaciones En Tiempo Real sea un disco malo, ni regular, ni mucho menos difícil, es que han pasado cerca de 8 años desde Azul Electrónico, 8 años que al parecer no han pasado en vano para los integrantes de Xplora, porque ahora no sólo quieren dejarnos un puñado de canciones de fácil recordación, ahora nos quieren demostrar que el potencial de aquel lejano 2002 no fue flor de un día.

Parece contradictorio que a primera impresión Variaciones... no cause buen impacto, pero creo no equivocarme al decir que es un disco al que se le debe dar más tiempo, primero porque el grupo tiene oficio para seguir por el camino marcado y retomarlo como si nada hubiera pasado, y segundo, porque demuestran que su propuesta fue sincera, además que su performance se mantiene intacta.

El primer sencillo de Variaciones... es Robot, con un inicio que definitivamente me hizo recordar a Ser, el primer corte de Azul Electrónico, por eso de usar distorsiones y sonidos para dar inicio al disco. Robot es un tema cumplidor, con una letra que va sobre el masoquismo y la sumisión, o al menos es lo que yo entiendo ("Si te sientes sola puedo ser tu fiel robot"). Hacia Ti, me hizo recordar algo del sonido de la banda mexicana Moenia, tal vez por la parte de teclados, Malabares me transportó a Las Cosas Malas, otro tema del Azul Electrónico, que tranquilamente puede ser otro sencillo promocional.

Hay una canción que me causó muy grata impresión por diversas razones, por el intro cantado apoyado por un mínimo de sonidos, por una letra convincente, por una interpretación vocal con sentimiento; me refiero al tema Lugares, que se perfila como el "Antiparaíso" del disco, que a pesar de ser un tema romántico, invita tranquilamente al baile, a pesar de tener un mensaje melancólico está envuelto en un empaque alegre, como para hacernos ver que no todo es malo al final de una relación.

Otro de los temas a resaltar es Estos Corazones, completamente pausado y más pop, evocando una vez más al Azul Electrónico, específicamente al tema Sangre. Y para no perder la vena electrónica, se cierra el telón con Tenme, donde la voz queda en segundo plano para dar paso al desenfreno instrumental.

En tiempos en que la escena nacional decae, siempre existirá un grupo que saque la cara por el rock peruano, esta vez le tocó a Xplora.

Mar de Copas - Discografía en Vivo (2002-2004, Perú)

Existen tres albumes oficiales en vivo publicados por Mar de Copas, siendo el primero de ellos el titulado En Vivo (2002), disco doble conteniendo en su mayoría temas en directo en versiones eléctricas y 6 temas acústicos entre los que destacan Un nuevo intento, Al pasar de las horas, Otra canción, Con el mar y Ramera, siendo este último todo un éxito en las radios locales.

El mismo año se publica Ramera, EP multimedia conteniendo los videos del grupo, un tema nuevo titulado Canción de un amor que dejó de andar, la versión en estudio de Ramera y cuatro temas acústicos interpretados el año 1998 en el Centro Cultural de la PUCP.

El año 2004 se publica el disco De Tierra, producto de dos conciertos acústicos realizados los días 2 y 3 de octubre del 2004 en el auditorio del Centro Cultural Peruano Japonés, con la novedad de incorporar tres temas inéditos: Cada vez, Vacío y Luis, tema dedicado a un fan que dejó este mundo.

Mar de Copas es un grupo que suele realizar sesiones intimistas, principalmente pensadas para un grupo reducido de gente, en donde se esfuerzan por presentar lo más interesante de su repertorio, realizando versiones más pausadas de las originales, especiales para sentir con mayor profundidad los sentimientos vertidos en cada línea de sus temas, que divagan en el lado oscuro del ser, en la introspección de los momentos, en el transcurrir de la vida que se va quedando corta y sin sentido, en la tristeza que consume corazones, en el llanto mudo del alma, y que a pesar de ello no suenan ni cursis ni melosas, ni románticas ni lamenteras, por ello es que nunca serán transmitidas en algún especial por el Día de San Valentín, porque aunque los mensajes sean tan "cortavenas", guardan un celoso lado rudo, áspero, guitarrero, de alma rockera a flor de piel, de aquel sentimiento que se disfraza con una coraza, porque para Mar de Copas, la procesión... va por dentro.

Nena Daconte - He Perdido Los Zapatos (2006, España)

Nena Daconte destila pop y su consigna es hacer de la música un momento dulce o desenfadado, según cómo sea el momento. Casi como La Oreja de Van Gogh, pero en menor proporción (imaginen) Mai Meneses nos deleita con una voz peculiar que le permite jugar con los temas románticos, dulzones, melancólicos, porque su registro es agudo y puede hacer algunos quiebres que hasta nos pueden hacer pensar en Bebe (otra española) pero Nena Daconte no está influenciada por el flamenco, esto es "pop del duro" de aquel que se ha hecho para perdurar en el tiempo, de aquel que ha sido producido en un laboratorio para ser netamente un éxito en ventas, pero claro está, Mai nunca estuvo a la orden de un productor que le diga el qué hacer, porque ella tenía bien claro el horizonte y encontró su mejor apoyo en Kim Fanlo, guitarrista que supo sacar lustre al potencial que tenían las canciones compuestas por Mai Meneses para terminar de armar lo que sería su primera producción titulada He Perdido Los Zapatos.

Muchos pensarán que Mai es producto de alguna disquera, porque apareció por primera vez en Operación Triunfo, aquel programa que se dedica a lanzar estrellas españolas (como el insufrible David Bisbal), afirmación que no es cierta porque Mai ya tenía escritas esas canciones antes de entrar a la tele, prueba de ello es que cantaba algunos fragmentos de ellas durante su estadía en aquel concurso.

Bueno, Nena Daconte nace al terminar el reality, Kim Fanlo formaba parte de la banda del programa y allí es donde conoció a Mai, lo demás ya se dijo, He Perdido Los Zapatos conquistó España con el single Idiota, tema lamentón en clave balada que al ser remezclado por Carlos Jean (reconocido productor español) obtiene un potencial insospechado, convirtiéndose prácticamente en su primer gran éxito.

Si gustan del pop fresco, está Pierdo El Tiempo, Si Supieras, En Qué Estrella Estará, Idiota -remix- y por parte de las baladas podemos escuchar Marta, Idiota, No Eres Mi Perro (¿aires de jazz?), Engáñame a Mi También, No Se Cómo Decirte, algo de bossa en Loco Por Mi y el sonido español en No Paraba De Llover.

Como dato adicional debo añadir que el nombre Nena Daconte fue tomado de un personaje del cuento "El rastro de tu sangre en la nieve" de Gabriel García Márquez.

Actualmente Nena Daconte ha pasado a ser un proyecto solista de Mai Meneses, producto de su ruptura sentimental con Kim Fanlo y presentó el 2010 su tercera producción... lástima, hacían buena dupla musical.

NOTA: Estoy actualizando los links que ya murieron, así que revisen una vez más por si quieren alguno, o de lo contrario envien un mensaje... Saludos.

ACTUALIZACIÓN: La gran mayoría de links han sido actualizados, creo que me faltan dos o tres, el resto está operativo. Cualquier cosa escribanme un mensaje, desde ahora también pueden escribirme al Facebook.
Saludos...

Christian Basso - Profanía (2000, Argentina)

Con sólo escuchar los primeros acordes de Criollo nos podemos hacer una idea general de lo que es el disco Profanía, primer LP de Christian Basso, donde explora una amplia gama de sonidos y "texturas", que trasladan al oyente hacia un mundo paralelo, un limbo donde los sonidos menos explorados se vuelven sustanciales, donde la sensación de familiaridad causa cierta extrañeza debido a la complejidad que representa cada instrumento, y donde la música pasa a formar parte de uno mismo, de los sentidos, que a pesar de generar atmósferas cargadas de melancolía (The Movement), cautivan y logran esa ternura maligna que a la larga se convierte en placer puro, porque debo resaltar que esta música no es alegre, es todo lo contrario, sin embargo reconozco en ella una belleza oscura, indescifrable, indescriptible... y no necesitan letras, porque este disco es en buena parte instrumental, viajando entre la tragedia griega, la música medieval italiana, francesa, el tango y el jazz.

Una joya...



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Para escuchar PROFANIA:  http://christianbasso.bandcamp.com/album/profania

The Girl With The Dragon Tattoo...

Me parece que estoy escribiendo mucho acerca de la música de películas que se vienen, lo cierto es que es inevitable pasar por alto algunas porque simplemente sería imposible ser indiferente ante la calidad que últimamente vienen demostrando los soundtracks, y no hacen más que reafirmar que algunos directores no sólo tienen buen gusto y visión para la dirección de las historias que traen entre manos, sino que van más allá, vislumbran una escena a partir de algún sonido, o en caso contrario, seleccionan el sonido perfecto para alguna determinada escena y logran el efecto necesario que complemente una buena actuación o un buen diálogo, porque siempre lo he pensado de esta forma, la música es un elemento inherente y nos acompaña a lo largo de nuestras vidas, es aquella que marca nuestros pasos, nuestras situaciones cotidianas, es aquella a quien siempre recurrimos cuando queremos expresar alguna alegría o alguna pena, en fin, la música es la autopista de nuestros sentimientos, de nuestra memoria.

El siguiente trailer es un nuevo ejemplo del elemento en mención, The Girl With The Dragon Tattoo no sólo muestra una serie de escenas espectaculares de la versión americana de Los Hombres Que No Amaban a las Mujeres, sino que además nos emociona la presencia de Inmigrant Song de Led Zeppelin en una versión explosiva a cargo de Trent Reznor y Karen O...

Este trailer sólo nos hace esperar con impaciencia a Lisbeth Salander.

La música de "SUPER" (2011, USA)

SUPER es una película estrenada hace poco más de un mes, la vi sin muchas expectativas y me ha sorprendido sobremanera, es humor negro muy bien trabajado con una historia que gira al rededor de los comics, para nada original, pero que sin embargo logra cautivar de principio a fin, y lo mejor de todo es que lleva un mensaje que si nos detenemos a pensarlo bien, resulta ser muy pero muy conmovedor...

No podía dejar de mencionar esta película porque a parte de todo eso, el soundtrack sí que está buenísimo...

Ya viene IRON SKY...

No puedo pasar por alto esta gran noticia: En 1945, luego de que los nazis perdieran la guerra, deciden escapar hacia su base secreta en la Antártida y de allí volar hacia el espacio ocultándose en el lado oscuro de la luna, donde crearían una base militar para desarrollar lo mejor de su tecnología y prepararse para invadir la Tierra con sus naves e instalar el Cuarto Reich.

Ese es el argumento descabellado que propone Iron Sky, película finesa que verá la luz en abril del próximo año, aquí sólo un adelanto espectacular con todo y música de Laibach incluído... nada menos...

Portishead - Third (2008, UK)

Una vez más Portishead dando cátedra de buena música, una vez más Portishead y sus lecciones de buen gusto, de equilibrio, de sobriedad, una vez más nos muestran lo que es el verdadero lado oscuro de los sentimientos, ese lado oscuro que no quisieramos descubrir para no vivir con el alma desdichada, con el pesar a flor de piel. Pero la naturaleza humana nos enseña que hay que sufir para aprender, que la mejor manera de asimilar las cosas no está leyendo uno de esos libros de autoayuda, tan populares en nuestros tiempos, no, Portishead nos muestra que no todo es optimismo, que el ser humano necesita esa cuota lúgubre y triste para superarse a sí mismo, para vencer ese miedo que rodea su mundo, su interior, porque es justo y necesario exteriorizar ese pequeño ser que llevamos dentro, entrenarlo y complacerlo, porque ese sentimiento que nos reprime y nos condena a vivir con una careta por gran parte de nuestras vidas es quien en verdad nos guía por la senda del placer, del dolor, de la real autosuperación, porque así es nuestra naturaleza... porque no hay triunfos sin sacrificios, porque no hay alegrías sin tristezas.

Sólo queda el silencio en una noche gris, bajo la luz de la luna escuchando a Beth Gibbons y sus lamentos perforando mis oídos, y su llanto en mi interior y el teclado descubriendo el camino hacia un mundo etéreo, donde las luces juegan a nada y la nada lo es todo, donde las guitarras casi imperceptibles nos convencen cual mensaje subliminal y la percusión nos guía por senderos ancestrales, inexplorados.

Zen - Zen (2002, Perú)

Acercándose mucho al sonido que Filter supo traducir de Nine Inch Nails, producto de la experimentación de su cantante y líder Richard Patrick, Zen banda tristemente desintegrada, asimiló aquel sonido tal vez intencionalmente o quizás por pura coincidencia, lo cierto es que nada más basta escuchar los primeros segundos del track 1 para entender lo que quiero decir, un sonido que se va acercando, una atmósfera predecible, de esas que invitan a la explosión incendiaria de la batería para desatar el desenfreno guitarrero, sí, como Sand, el intro de Title Of Record, que sirve de cortina para Welcome To The Fold, uno de los emblemas del grupo norteamericano Filter. También escuchamos en Zen la misma idea (Un Día Más: "Necesito acabar con todo de una vez"), para rápidamente hacer su aparición Arrastrándome, de igual corte, del mismo molde, un tema prácticamente perfecto, que no disminuye para nada el arranque adrenalínico del disco.

Identidad baja cierta intensidad, sin que la guitarra pierda el efecto envolvente y los efectos hagan su parte oscura para aportar efectividad a la letra ("te puedo enseñar lo que no puedes pensar"). Desaparecer, Aún Me Tienes y Abismo aportan la mayor fuerza posible al disco, con descargas guitarreras y coros pegajosos, convincentes, fácilmente radiables e inexplicablemente marginadas por las estaciones locales.

Vuelve, Sobrevivir y Seguiré aportan el lado opuesto a los temas arriba mencionados, con melodías y ritmos cadencionsos, con letras melancólicas e introspectivas, demostrando así la versatilidad del grupo y la facilidad para interpretar baladas rock sin apartarse de la esencia primigenia del trabajo en conjunto.

Para terminar, esta edición del primer disco cuenta con tres temas en inglés, de interpretación demasiado pulcra (prácticamente sin acento alguno), perdiendo tal vez por eso la fuerza que deberían tener.

Blind Melon - Blind Melon (1992, USA)

Siempre que escucho una banda con tintes del blues setentero imagino principalmente las coloridas camisas hippies, las barbas largas, los pantalones campanudos y las gafas a lo Janis Joplin. Toda esa colorida visión se hace realidad al ver algún video de Blind Melon, aquel grupo californiano de inicios de los 90 que a estas alturas se ha convertido en una banda de culto, una especie de acto que va a perdurar mientras exista memoria de este grupo que en sus años de actividad no tuvo la acogida que hubiesen deseado (a pesar de hacer música respetable) y un punto más aunque algo sombrío es reconocer que parte de este culto se debe principalmente a la muerte de Shanon Hoon, que a causa del abuso de las drogas falleció el año 1995, poco después de publicar su segundo disco Soup, generando de esta forma una especie de endiosamiento por parte de sus seguidores.

Uno de los puntos en contra para el despegue de Blind Melon fue que en la primera mitad de los 90 se hacía presente con mucha fuerza el movimiento grunge con bandas como Nirvana, Stone Temple Pilots, Soundgarden y demás monstruos que debido a su alta calidad terminaron por opacar a una banda que si bien es cierto no alcanzaba la genialidad de aquellos músicos, guardaban cierta gracia y alguna que otra carta bajo la manga como para perdurar en el tiempo y ser recordados a estas alturas como una de las pocas agrupaciones que supo reciclar aquel añejo sonido y hacerlo casi propio.

Escuchar No Rain es sin duda alguna entender el éxito que puede generar una sola canción para una banda, y en este caso, descubrir cómo un video tan simple pueda quedarse grabado en la memoria de toda una generación. Ni siquiera la ayuda que le proporcionó Axl Roses al invitar a Shanon Hoon para interpretar Don't Cry de los Gun's le significó tanto reconocimiento como sí lo hizo No Rain, que logró ubicar al disco en el puesto 3 del Billboard 200 de 1993.

Blind Melon cuenta con un repertorio uniforme en cada pista seleccionada, destacando temas como Tones Of Home, Paper Scratcher, Change, Seed to a Tree, Time y la ya mencionada No Rain.
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Shampoo - We Are Shampoo (1994, UK)

Shampoo fue un dúo pop con cierto estilo ochentero (léase Bananarama), y con un toque rockero en ínfimos pasajes de su disco debut, que se dedicaba principalmente a desarrollar historias de corte superficial, netamente para un público juvenil ansioso por diversión. En 1994 las Spice Girls aún no existían, las abanderadas del "Girl Power" eran Shampoo, incluso hicieron un tema con ese nombre en su segundo disco, posteriormente las Spice Girls se encargarían de difundir esa frase como estilo de vida.

En este contexto, el dúo inglés encontró un obstáculo fácil de sobrepasar, por aquellos años no existía un grupo de chicas con la fuerza de Jacqui Blake y Carrie Askew, consiguiendo en corto tiempo una escalada sorprendente. Luego de la publicación de We Are Shampoo en 1994 se sucedieron una serie de eventos muy favorables para el grupo, primero, lograron colocar el tema Trouble en el puesto 11 del ranking UK que les permitió tocar en el famoso programa Top Of The Pops y posteriormente el mismo tema fue incluído en el Soundtrack de la película Mighty Morphin' Power Rangers logrando mayor difusión de su música a nivel internacional y obteniendo un inusual éxito en Japón.

Shampoo fue el precursor de los grupos pop actuales dominados por mujeres, de aspecto desenfadado, de pose rebelde y pelucas rosas, claro, todo ello para mostrar que el género femenino es independiente y que puede lidiar con diversos problemas (recordando que por aquellos años el boom de rockeras recién empezaba). Por supuesto que todo ese argumento pasaba a segundo plano cuando simplemente mirabas a ese par de rubias... y no podías ignorar esas minifaldas.

The Ting Tings - Hands (nuevo single, nuevo video)

The Ting Tings es un dúo hombre-mujer, que no necesitan a nadie más en la vida para contagiar a cualquiera con sus ritmos, para hipnotizar con sus melodías y para atraer con su psicoacústica cual tambores de guerra hasta al ser más aburrido, porque The Ting Tings tienen la fórmula secreta del éxito, porque The Ting Tings no es cualquier dúo, es el dúo que surgió de la nada para llevárselo todo, que apareció como un relámpago para sorprender una escena que venía repitiéndose con guitarreros y frases entrecortadas, con atuendos desgarbados y actitudes rebeldes que más caen como pose, no pues, Jules De Martino y Katie White sólo quieren divertirse, no importa si bailan solos, aunque eso es un poco dificil porque basta escuchar Hands, primer single de su nueva producción, para darse cuenta que es imposible ignorarlos y mucho menos pasarla sin moverse por lo menos un par de segundos.

Loas para The Ting Tings, palmas para The Ting Tings... (en especial para la siempre linda Katie White)

Hari and Aino (2008, Suecia)

Hari and Aino es un quinteto de origen sueco, dedicado principalmente al indie, con melodías cándidas, frescas y una voz femenina que parece deslizarse entre campos de algodón o pasearse por un prado verde al mediodía, con un sol radiante, como en un cuento de hadas, como en un universo donde no existe la maldad, donde sólo hay espacio para la inocencia, como toda la melodía que emana de la guitarra, de la batería, del bajo, del teclado, que no se preocupan en poner la pauta ni la diferencia, sólo se dedican a hacer lo suyo, a juguetear con los ritmos, a veces pop, a veces bossa, a veces indie (me parece que el final de Gold es bien The Strokes) a veces todo junto, lo cierto es que Hari and Aino muestra el lado fino del indie, el de salón, que se supo nutrir de varias corrientes, que supo estilizar la música a su antojo, y que con más mérito supo atraer nuestras almas (y oídos) a un mundo donde la música se ha creado exclusivamente para sentarse, mover la cabeza al compás, tal vez los pies, quizás tararear, pero eso sí, esta música es para disfrutar, sólo eso, disfrutar.

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Zowie - Bite Back (Official Music Video, 2011)

¿Qué cosa?, más respeto con Zowie por favor, ella no suena a Kesha, suena a The Ting Tings, ella no deambula por las carreteras como Bat For Lashes, pero sí que la seguiría, ella no es una Yelle, pero igual se le ve cool.

A ver, díganme que no...

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Fahed Mitre - Toda la Verdad (1990, Perú)

Fahed Mitre, peruano de raíces libanesas intentó hacer carrera en la música a finales de los 80, llegando a editar dos discos y algunos videos, el más recordado de ellos fue el realizado para la canción Moda, grabado íntegramente en formato de cine y con la participación de la top model peruana más importante del momento, Olenka Zimmerman.

Toda la Verdad es su segundo LP y presenta algunos de los temas que tuvieron una considerable rotación en las radios como Jennifer, que además cuenta con su propio video y Toda la Verdad, que da título a esta producción.

Para ser honesto con el disco en cuestión, debo decir que alrededor de tamaña empresa realizada sin escatimar gastos, Fahed Mitre nunca logró cuajar como cantante de moda, tal vez porque no pretendió dejar una huella de compositor con vena romántica, ni de un popero desenfrenado, más bien intentó un poco de ambos, asimilando el sonido que por aquel momento divagaba en las estaciones pop, entre la balada en español y alguno que otro tema rockero a lo Miguel Mateos (como en el intro de Toda la Verdad).

Lo inusual de este LP es el lado instrumental, que cuenta con músicos de apoyo que dieron un matiz cálido al resultado final del disco. Entre estos músicos de estudio notamos la presencia de Miguel "Chino" Figueroa, productor, director y arreglista musical, Alex Acuña (reconocido baterista y percusionista peruano) y para sorpresa de propios y extraños destaca la presencia de Jeff Porcaro, baterista del grupo Toto, quien colabora en Toda la Verdad, Jennifer, Si No Estás y Un Juego, todo un lujo inconcebible para cualquier grupo peruano de la época.

Es una "singular" experiencia escuchar a Fahed Mitre, y lo digo por gente que ya está en base 3 (como yo) que tiene algún recuerdo borroso de aquel video de Jennifer... un sábado por la noche en el Canal 5...

Sí, en Viva el Sábado...

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Pd. Agredecimiento especial a "maranguitaschool" por el ripeo del cassette de Fahed Mitre a mp3.

Amy MacDonald - A Curious Thing (2010, UK)

Tu encanto no se limita a una simple mirada, a un rasgueo de guitarra, a un susurro al oído, tu encanto no tiene límites, porque tu encanto se plasma en esas reflexiones que van más allá de lo romántico inconcluso, de lo juvenil en desgracia, del sufrimiento aleccionador, tu encanto radica en la escencia misma del ser, en toda tu existencia, porque es cierto Amy, es cierto que la esperanza aún existe, porque estoy seguro que eres la luz en la oscuridad y cual ángel caído del cielo estás calmando nuestro llanto y nos estás apartando del rencor y la ira.

Por eso te amamos Amy Macdonald, porque has sabido enseñar en pocas palabras un lenguaje único, porque has sabido guiarnos por los senderos desconocidos de nuestras almas, por eso eres realmente especial, porque demuestras que la mujer no carece de esa vena artística que se creía exclusiva de los Radiohead, Coldplay, Keane, The Verve, Snow Patrol y demás emblemas de la música para corazones "descorazonados".

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Cementerio Club - Canciones desnudas para iluminar los cuerpos (2002, Perú)

Cementerio Club es una de las pocas bandas peruanas con personalidad, de esas que no se dejan cambiar drásticamente con el paso del tiempo y que sin embargo juegan con sonidos que generan una variante musical dentro del ámbito del modern rock. A lo Oasis, a lo The Beatles, Cementerio Club coquetea con el sonido indie, con el sonido Manchester y con una cuota melancólica propia de José Arbulú, su voz principal, que no se cansa, no se agita, mientras se divierte y pasea entre los violines cantando "lleva abierta las heridas, se desangra con placer..." para divagar entre atmósferas que le deben mucho a The Beatles (máxima influencia de la banda).

Canciones desnudas para iluminar los cuerpos, es el título de este disco gratuito presentado en formato mp3 en su página oficial el año 2002, segunda oportunidad para incursionar en el ámbito unplugged con excelentes resultados.

Imagine II, Underground (lindos violines), Jade (interesante versión con Harmónica), Cisne Negro (en compañía de Caroline Cruz), Mar Salvaje (sin mayores cambios), Solo (con un buen puñado de cuerdas), El Mago (con tarareos propios del britpop, a lo Blur) y Barco Viejo (un poco acelerada, pero igual de buena que la grabación en estudio), basta con escuchar estos temas para reconocer en Cementerio Club esa calidad que siempre los ha diferenciado y que en algún momento los hizo merecedores del MTV Video Music Awards Latinoamérica 2004 en la categoría Mejor Artista Nuevo Región Central.
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My Life as Liz - Unofficial Soundtrack Season 1 (USA, 2010)

Liz intenta sobrevivir el último año de colegio rodeada de muchos inconvenientes, entre ser "rara" y como consecuencia marginada por la mayoría de la escuela, el principal de todos sus problemas es lidiar contra su ex amiga y ahora enemiga número uno, Cori Cooper, quien se encargará de hacerle la vida imposible. Pero Liz siempre está rodeada de sus grandes amigos nerds Sully, Cameron, Miles y Troy, además de Taylor, su única amiga mujer, quien se convierte poco a poco en un gran apoyo para resolver otro de sus grandes dilemas: Bryson.

My Life as Liz es una serie de Mtv emitida el 2010 simulando un reality show con una cámara que sigue paso a paso la vida de Liz Lee, una nerd que está por terminar el colegio y que gusta de los comics y la buena música, es por ello que cuenta con un excelente soundtrack que recopila géneros como el pop, la electrónica y el indie, de grupos y solistas tan renombrados como Beastie Boys, Bloc Party, Band Of Horses, Deerhoof, CSS, Lykke Li, Goldfrapp, Chromeo, Elton John, y otros no muy conocidos pero que sin lugar a dudas complementan efectivamente las situaciones de la serie.

Tuve un ligero percance, no pude ubicar algo de diez temas, y les pido por favor me ayuden a conseguirlos. La información está como siempre en la sección Comentarios.

Ojalá les guste esta recopilación que hice pensando en todos los seguidores de My Life as Liz, esperando que en un futuro la serie cuente con un OST oficial.

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Jewel - Goodbye Alice In Wonderland (2006, USA)

Goodbye Alice in Wonderland significó para Jewel el regreso a las raíces, el retorno al sonido country más puro comparable al Pieces of You. Ya desde la portada y fotos interiores se puede respirar un aroma rural, que definitivamente se reafirma con el primer track titulado Again and Again que fue el primer sencillo del disco debutando en el puesto 16 del Adult Top 40 de la revista Billboard.

Jewel Kilcher decidió apartarse del pop para ofrecernos temas como Goodbye Alice in Wonderland, Long Slow Slide (que guarda cierta similitud a Kiss The Flame del disco Hands), Only One Too, Satellite, Last Dance Rodeo, estos dos últimos ya interpretaba en épocas del Pieces of You pero de forma más rústica acompañándose sólo de una guitarra, Stephenville TX con alta presencia de bajos y cuerdas netamente country, el disco termina con 1000 Miles Away, tema que también interpretaba desde 1996.

Se merecen un especial reconocimiento temas como Good Day (siempre Jewel entre cantando y susurrando, toda una delicia de canción), Words Get In The Way (algo más rockero y tal vez los 3 minutos 57 segundos más alegres del disco), Drive To You (con un inicio pausado pero que ya muestra ganas de despegar en el coro) y para terminar Fragile Heart, aparecido por primera vez en el disco 0304 pero esta vez reinventado, mutando de la balada pop a un sonido más propio de la Jewel del Hands obteniendo muy buenos resultados.